La posición aparente de Paloma Polo

2. Febrero 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Cine

Paloma Polo, Acción a distancia, 2012.

Película de 16 mm transferida a vídeo digital HD. © Paloma Polo

Cubamatinal/ Madrid 27 de enero de 2012.

Querida Ofelia:

 

La propuesta de la madrileña Paloma Polo (1983) —una de las artistas más jóvenes que han expuesto en el Museo Reina Sofía—, para el programa Fisuras forma parte de un proyecto de investigación de largo recorrido que la artista viene desarrollando sobre las expediciones que, durante la época colonial, se realizaron hacia diferentes territorios para avistar y documentar fenómenos astronómicos. En una primera mirada, su trabajo aborda cuestiones relacionadas con la conexión entre el conocimiento científico y los proyectos imperialistas de las potencias europeas durante los siglos XIX y XX.

Pero Posición aparente suscita reflexiones menos inmediatas y relaciones entre hechos que parecen cruzarse en un momento y en un lugar, al modo de un eclipse. Componen la exposición una película de 16 mm transferida a vídeodigital, 14 fotografías sobre cristal y un libro con textos explicativos editado porla artista que han sido elaborados específicamente para esta ocasión y han contado con la colaboración de destacados científicos e historiadores de centros académicos de Portugal, Inglaterra, Estados Unidos y Brasil.
Para esta muestra, Paloma Polo se ha centrado en el viaje de Sir Arthur Eddington a la isla africana de Príncipe como paradigma de la historia y circunstancias de estas expediciones. En 1919, el célebre astrofísico británico se trasladó a la antigua colonia portuguesa del golfo de Guinea para observar un eclipse solar completo. Su fin último era realizar el primer experimento que constataría la Teoría General de la Relatividad de Albert Einstein, aprovechando la oscuridad proporcionada por este fenómeno celeste.
Si bien la producción de literatura científica acerca de la Teoría General de la Relatividad es muy profusa, la artista ha observado que, en ámbito de la Historia, apenas se ha indagado en las circunstancias políticas locales de la expedición ni existe un estudio que resalte esta relación. Mientras las políticas científicas europeas de las expediciones para observar eclipses han sido estudiadas en muchos ensayos históricos, la política más amplia del colonialismo europeo en relación a esto se ha hecho mucho menos visible. Según Polo, “los procesos imperialistas ocurrieron más allá del ámbito de las leyes económicas y las decisiones políticas, y se manifestaron en otro nivel muy significativo: el de los desarrollos científicos y culturales”, cuyo ámbito se ha tendido a mantener al margen.
Por otro lado, la artista profundiza en su trabajo en la relación y similitud que ha encontrado entre las metodologías propias de la práctica científica e historiográfica. Su personal aproximación a esta relación se formaliza en las tres piezas producidas para esta muestra.

Los tres formatos que la artista ha utilizado en esta exposición están tradicionalmente asociados al ámbito de la documentación. Sin embargo, Posición aparente no pretende documentar ni informar, sino que parte más bien de una triple posición: la constatación de un hecho ya conocido, la consciencia de una falta de precisa documentación histórica y la intervención in situ que no desvela una alteración de la realidad, sino una forma de encuadrar nuevas relaciones con el propio entorno y la propia historia.
Acción a distancia ha sido filmada en la plantación Roca Sundy de la isla de Príncipe, donde tuvo lugar la expedición que sirve de punto de partida del proyecto. En su realización han colaborado los descendientes de los antiguos trabajadores del cacao de dicha plantación, que presenciaron el acontecimiento. La proyección recoge la intervención realizada a sugerencia de la artista en el verano de 2011 con el apoyo del Gobierno Regional de Príncipe: la estela que conmemora el trabajo de Sir Eddington fue trasladada hacia el lugar exacto en el que, de acuerdo con las nuevas investigaciones de la artista, aparentemente tuvo lugar la observación astronómica, tan sólo a unos metros de distancia de la anterior ubicación, dentro de la misma finca de explotación agrícola, hoy inutilizada. En la película, ciudadanos locales arrancan de la tierra y acarrean mediante cadenas y un sencillo camión de carga un elemento arquitectónico, de acuerdo con su propio modelo organizativo y de división del trabajo.
La película, sin embargo, no se limita a documentar este traslado. Mientras observa el vídeo, el espectador no llega a tener una percepción clara del espacio, mientras la introducción de sonido ajeno a la escena le distancia de los hechos y las elipsis le impiden cuantificar el paso del tiempo. No sabe dónde ha ido a parar la estela, cuánto tiempo se ha empleado o si la han trasladado unos metros o unos kilómetros. Tiempo y espacio son sugeridos y escamoteados de manera alternativa. El espectador debe construirlos desde su posición; se ve obligado a relativizarlos.
La simultaneidad no es un concepto invariable, repertorio de 14 fotografías sobre cristal de la expedición: No existe ningún testimonio visual del experimento de Sir Arthur Eddington, ya sea porque no se conserva, no se conoce o desapareció. Por este motivo, Paloma Polo ha producido un conjunto de fotografías sobre cristal que dan cuenta del aspecto del entorno de la expedición durante el eclipse. Estas imágenes han sido recreadas con la mayor precisión posible tras una investigación contrastada con diversos expertos. Estas nuevas fotografías no vienen a sustituir esta documentación inexistente, sino a tomar una posición de aparente veracidad, de verosimilitud.
Polo estudió algunas de las pocas fotografías de principios del siglo XX que existen de la isla de Príncipe. Las nuevas imágenes han sido creadas siguiendo de forma rigurosa las descripciones e informaciones que se han obtenido en la investigación. Han sido realizadas utilizando la tecnología y los medios propios de la época y su apariencia final está envejecida, como desgastada por el paso del tiempo. De este modo adoptan la apariencia de documentos originales.

La intención de la artista no es jugar al trampantojo con la historia, ni desvelar la posibilidad de manipular las pruebas documentales. Sus fotografías son la imagen de una historia posible detenida en el tiempo, en contraste con el movimiento del vídeo que completa el núcleo de su propuesta.
Paloma Polo se licenció en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid en 2007 y reside en Ámsterdam. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas — CA2M, Madrid; Museo de Arte Carrillo Gil, México D.F.; Artium…— e individuales — Centro de Arte Joven de la Comunidad de Madrid; Skor (Ámsterdam); Centro Cultural Montehermoso (Vitoria); Galería Maisterravalbuena, Frieze Art Fair (Londres)—. Ha obtenido becas de instituciones como el Centro Cultural Montehermoso, el MUSAC, Gasworks (Londres) y el Fonds voor Beeldende Kunsten Vormgevin en Bouwkunst en Holanda, y ganó el primer premio en el Certamen de Artes Plásticas Injuve (2009) y el Generación 2011 de Obra Social Caja Madrid.
Paloma Polo. Posición aparente .Del 25 de enero al 23 de abril de 2012. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Coordinación: Patricia Molins. Esta exposición forma parte del Festival Miradas de Mujeres (MAV).
Un gran abrazo desde estas lejanas tierras allende los mares,
Félix José Hernández.

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Los Tesoros de los Palacios Reales de España hacia México

30. Enero 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas

La Adoración del nombre de Jesús o La Alegoría de la Santa Liga. Domenikos Theotokopoulus, llamado El Greco (1541-1614), hacia 1577-1579.Óleo sobre lienzo, 140 x 109,5 cm.Patrimonio Nacional, Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, Madrid, inventario 10014683

Cubamatinal/ París, 29 de enero de 2012.

 

Querida Ofelia:

 

La exposición Tesoros de los Palacios Reales de España. Una historia compartida , organizada por la Galería de Palacio Nacional, Patrimonio Nacional de España y Acción Cultural Española (AC/E), con la colaboración de la Embajada de España en México, reúne más de 350 piezas –278 españolas y 94 mexicanas entre tapices, pinturas, esculturas, orfebrería, mobiliario…- con el objetivo de explicar cómo se crearon y evolucionaron las actuales colecciones reales españolas desde finales del siglo XV hasta la primera década del XIX. Esta panorámica se completa con una sección dedicada a la historia virreinal del actual Palacio Nacional de México. Con esta exposición, que reúne obras de Juan Pantoja de la Cruz, El Greco, Francisco de Goya, Tiziano y Velázquez, entre otros, la Galería de Palacio Nacional inicia un ciclo de exposiciones dedicadas a los palacios y galerías más relevantes del mundo.
Álvaro Soler y Pilar Benito son los comisarios de esta exposición que muestra cómo los Palacios Reales en España se convirtieron en receptáculos de un legado incalculable gracias al esfuerzo personal e institucional de monarcas como los Reyes Católicos, el Emperador Carlos V, Felipe II, Felipe IV o Carlos II, por crear y conservar una extraordinaria colección histórico artística enriquecida con el acervo material y cultural que aportaron los territorios que estuvieron en algún momento vinculados a España. Un patrimonio cultural al que se une el adquirido por los palacios virreinales, que emulaban a sus modelos peninsulares.
Así, los visitantes que se acerquen a la Galería de Palacio Nacional hasta el 31 de mayo de 2012 podrán admirar, por primera vez en México, algunos de los principales tesoros históricos y artísticos pertenecientes a las Casas Reales de Habsburgo y Borbón que conserva Patrimonio Nacional de España. La muestra permite, además, analizar los cambios en las colecciones españolas y virreinales a lo largo de la historia; conocer cómo se trasladaron al Palacio Virreinal de Nueva España los valores de los soberanos españoles traducidos en teorías arquitectónicas y artísticas así como en gustos cortesanos; mostrar cómo eran los interiores de los palacios españoles y novohispanos y explicar el uso que se hacía de ellos, en especial en los actos protocolarios.

La exposición se divide en nueve capítulos que abordan los periodos y circunstancias que han condicionado el legado histórico y artístico de Patrimonio Nacional desde la Baja Edad Media hasta la Guerra de la Independencia, por un lado y por otro la relación con el Palacio Virreinal de Nueva España. El límite cronológico en la primera parte, en la que se concentran las obras de Patrimonio Nacional, viene dado porque la Guerra de la Independencia en España supuso un antes y un después en el coleccionismo real y porque una parte fundamental del patrimonio mueble e inmueble conservado en las actuales Colecciones Reales es anterior a 1808. Este límite también permite ofrecer una panorámica de las colecciones con anterioridad a los procesos de independencia americanos y la convulsa situación interna española que también influyeron en la proyección de la imagen real y en su consiguiente transformación.

La corte itinerante. De la Edad Media a la Edad Moderna.

El primer capítulo llama la atención sobre la importancia del carácter itinerante de la corte desde los reinos medievales hasta el fallecimiento del emperador Carlos V. Se trataba de una corte en constante movimiento entre diferentes casas y palacios que carecía de una sede permanente del poder real. Este hecho condicionó la comisión de obras de arte y la consecución de un programa edilicio en torno a una residencia central como sucedería posteriormente. Algunos edificios Trastámaras y anteriores pertenecientes a las coronas de Castilla y Aragón fueron el germen de las residencias reales posteriores y de los monasterios vinculados a la corona, de los cuales subsisten actualmente el Real Monasterio de las Huelgas Reales de Burgos, el Monasterio de Santa Clara de Tordesillas, Los Reales Alcázares de Sevilla y el Palacio Real de la Almudaina (Palma de Mallorca), así como vestigios arquitectónicos englobados en los palacios borbónicos como el patio del Palacio de El Pardo.
El proceso de unificación territorial culminado por los Reyes Católicos y la posterior expansión territorial promovida por ellos supuso la coexistencia de diferentes corrientes artísticas desde las propiamente hispanas hasta el importante protagonismo de las formas flamencas, patente en cuadros, tapices, textiles y armas apropiados para una corte itinerante, como los paños flamencos o la pintura de Juan de Flandes. Estas obras también son un claro ejemplo del papel determinante de la Fe ligada al poder terrenal y de la utilización de las obras de arte por parte de los Reyes Católicos como instrumentos al servicio de la imagen del poder real.

La política matrimonial emprendida por Isabel y Fernando supuso la ampliación y fortalecimiento de los reinos hispanos con los restantes reinos europeos y con sus formas estéticas, ya presentes en algunos casos en la Península. La introducción de la Casa de Austria con Felipe el Hermoso y, sobre todo, con su hijo, el emperador Carlos V, supuso una continuidad en las circunstancias que rodearon a la comisión de obras de arte y un cambio en la concepción de las mismas y de las corrientes artísticas dominantes. La tapicerías y el mobiliario civil y religioso continúan condicionados por el carácter itinerante de la corte, pero ello no impide que tenga lugar un enaltecimiento de la imagen del poder real y la construcción de la imagen imperial a raíz de la muerte de Maximiliano I de Austria en 1519.

La tradición cristiana, la Antigüedad y la mentalidad caballeresca transmitida por órdenes como el Toisón de Oro son puestas al servicio de Carlos V. La Fe y las devociones consolidan un protagonismo que caracterizará en el futuro a la monarquía católica y por tanto a sus colecciones y empresas artísticas.
Felipe II y el establecimiento de la capital en Madrid.

Felipe II es la figura clave en la historia de las actuales colecciones reales debido a tresdecisiones que condicionaron su desarrollo hasta el presente. El primer epígrafe dentro de este capítulo se centra en el establecimiento de la capitalidad del reino en Madrid , que supuso la creación de una sede permanente del poder real, apoyada por una red de palacios tejida a su alrededor. Ello supuso la transformación definitiva del Alcázar como palacio real y sede de la monarquía, continuando las reformas anteriores, entre las que destacó la ampliación de Carlos V. Estos aspectos se ilustran con planos y vistas del Alcázar. La capitalidad y las necesidades decorativas de las residencias reales también permitieron un cambio en la concepción del tipo de obras encargadas para la corte. El alcázar se configuró al mismo tiempo como el centro de una red de palacios en los alrededores de Madrid aprovechando en algunos casos pabellones Trastámaras y creando nuevos edificios. Esta red estaba compuesta en un segundo nivel por palacios como El Pardo y Aranjuez (Madrid); mientras que en un tercer nivel se situaban casas de campo y pabellones para las jornadas venatorias como la Torre de la Parada (Madrid). Esta red se ilustra con vistas de dichos reales sitios, incluidos los no conservados en la actualidad.

Un segundo epígrafe trata la trascendental decisión de la construcción del Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial , pieza clave para la monarquía española tanto por su planteamiento arquitectónico como por los usos a los que fue destinado. Las vistas exteriores e interiores del edificio muestran claramente su monumentalidad. Se trata su función como panteón real, como sede e imagen del poder. Como monasterio su programa iconográfico religioso ilustra las principales corrientes en boga en Europa a través de la colección de pintura que reúne a maestros flamencos, españoles o italianos. El Escorial fue también concebido como un centro del conocimiento universal gracias a su biblioteca. Este capítulo se completa resaltando a la importancia de la herencia imperial expresada en las disposiciones testamentarias de Felipe II como germen de las colecciones artísticas del Patrimonio Nacional ya que gracias a ellas se consideraron como inalienables de la corona española la Real Armería, la tapicería y la colección real de pinturas. Aquí se llama la atención del importante papel propagandístico para el prestigio dinástico jugado por la Real Armería como depositaria de las armas imperiales, de los trofeos militares y de los regalos diplomáticos.

Los palacios reales bajo los Austrias. De Felipe II a Felipe IV.

El tercer capítulo expone el ambiente en el que discurrió la vida de la familia real, así como las fundaciones religiosas de gran trascendencia hasta la actualidad. A manera de introducción se recalca la idea de la universalidad de la monarquía hispana para comprender la diversa procedencia de los objetos en los que se materializó la vida palatina a través de muebles, textiles y libros representativos. El primer epígrafe de este apartado versa sobre la vida cortesana y el coleccionismo real como un todo en lo referente a los bienes muebles creados para los palacios reales entre los siglos XVI y XVII. La decoración del Alcázar en el Renacimiento y en el Barroco ha dado lugar a una serie de colecciones creadas por un afán coleccionista propiamente dicho o por la conservación de objetos utilitarios guardados por su calidad o carácter artístico. Unos y otros ilustran las artísticas dominantes relacionadas con los territorios dependientes de la corona. Esta época constituye el Siglo de Oro del arte español bajo patronazgo real, sin que ello impida la comisión de obras e otros centros europeos ya tradicionales al servicio de la monarquía como Italia y Flandes. En este ámbito no se debe olvidar la gran importancia de los jardines en los palacios reales, representados en esta exposición por tapicerías, vistas y elementos escultóricos de gran calidad. A la red de palacios tratada con anterioridad se sumaron el Palacio de El Buen Retiro (Madrid), pieza fundamental para la imagen de Felipe IV.
Los Reales Patronatos.

El cuarto apartado de la exposición explica la creación de los Reales Patronatos en el contexto religioso de la Contrarreforma y de la vida cortesana analizando su fundación y dotación a través de sus benefactores. Los monasterios reales, como las Descalzas o la Encarnación, ambos en Madrid, constituyen actualmente tesoros artísticos, que paradójicamente custodiaban una visión universal del mundo a través de sus obras de arte desde el espacio cerrado de una clausura. En este apartado se pueden ver, entre otras obras, los tapices del Triunfo de la Eucaristía sobre cartones de Rubens así como relicarios y obras devocionales y litúrgicas y una muestra de la importancia que las galerías de retratos tenían en las clausuras por motivos familiares y dinásticos.

El cambio dinástico. El advenimiento de la dinastía borbónica.

La introducción de la Casa de Borbón supuso un cambio de gustos, bajo la preeminencia de los modelos franceses e italianos, pero, sobre todo, constituyó el momento de mayor esplendor artístico de las colecciones reales españolas en todas sus manifestaciones. Por el contrario, parte del legado Austria se perdió por la propia evolución de los Reales Sitios. El incendio del Alcázar en 1734 dio lugar a la creación de una nueva sede para la monarquía que constituiría la mayor empresa de la nueva dinastía. El epígrafe sobre el Palacio Nuevo y la legitimidad dinástica aborda la construcción del actual Palacio Real, desde los proyectos de Juvara y Sachetti a la elección de los materiales destinados a su edificación y decoración exterior. El nuevo palacio fue acompañado por la reforma de los Reales Sitios y los nuevos palacios de la Granja y Riofrío, en Segovia, ilustrados mediante diversas vistas debidas sobre todo Michel Ange Houasse. En todos ellos, los proyectos de jardinería fueron considerados desde el inicio como un parte fundamental de los mismos.
La magnificencia de la monarquía a través del refinamiento en la decoración de los Reales Sitios y de la vida cotidiana.

Los Palacios y sus jardines fueron el marco para la expresión de la magnificencia regia. Las reformas emprendidas en los Reales Sitios ampliaron su superficie y cambiaron su fisonomía, por lo que fue necesaria una ingente labor para su decoración, siempre bajo la premisa de la mayor calidad. La empresa supuso la regularización de las artes suntuarias como uno de los rasgos más destacado de la dinastía borbónica, ya que ahora se impulsan las producciones amparadas por la monarquía para su servicio directo, por medio del establecimiento de los Talleres Reales y las Reales Fábricas para decorar los nuevos edificios, a la vez que eran un instrumento de desarrollo de las comarcas en las que se asentaron estas manufacturas.

Para ilustrar este vasto programa decorativo el visitante podrá asomarse a diversos aspectos de la vida en palacio a través de la recreación de diferentes espacios como el dormitorio de Carlos III o el Salón Gasparini, ambos del Palacio Real de Madrid y la presentación de una buena muestra de elementos decorativos de diferentes artes. Con ello no sólo se ofrece una impresión de la vida palatina sino que también se traza una evolución de los gustos, formas y corrientes artísticas a lo largo del siglo XVIII, época de mayor esplendor suntuario de las residencias reales españolas. Las colecciones artísticas de Felipe V e Isabel de Farnesio, Carlos III y Calos IV se ilustran gracias a la pintura de Jan Ranc, Paret, Mengs, Meléndez o Goya. Las colecciones escultóricas comprenden desde obras maestras del Cuattrocento italiano como el relieve de Desiderio da Settignano a los retratos ecuestres de Carlos III y Carlos IV de factura italiana y francesa.
También adquiere protagonismo lo napolitano a través del Belén del Príncipe, exponente de las devociones y de la vida cotidiana que trasciende hasta la actualidad. Mención especial merecen la Real Fábrica de Tapices con una selección de obras tejidas bajo la dirección de los Vandergotten y los Stuyck, desde sus orígenes hasta las escenas costumbristas realizadas a partir de cartones de Goya. Otros talleres y fábricas no tan conocidos, pero de igual o superior importancia, fueron los de bordados y tejidos y los dedicados al mobiliario palatino, estos últimos en consonancia con los diseños de los principales adornistas y arquitectos españoles del momento así como algunas manufacturas francesas de mayor renombre. Las obras seleccionadas reivindican el trascendental papel de Bordadores como María Luisa Bergonzzini y su hijo Antonio Gasparini, ebanistas como José Canops, y adornistas como Mattia Gasparini.
Las importaciones de porcelanas de China, Sajonia y Francia están presentes mediante las vajillas de Felipe V, Carlos III y Carlos IV. La Real Fábrica de cristales de La Granja y la espléndida colección de relojes tienen igualmente su sitio en esta exposición. A la Real Capilla se debe la existencia de un importante conjunto de orfebrería de procedencia española presente en la muestra mediante los relicarios y diversos objetos litúrgicos. También se puede ver una selección de la Real Biblioteca como ejemplo del interés por el conocimiento del mundo a través de mapas, obras literarias, descripciones de reinos, libros científicos etc.
Las casas de campo. La diversión a través del arte.
Entre todas las colecciones y edificios se ha querido llamar especialmente la atención sobre Las casas de campo de Carlos IV, bien como Príncipe de Asturias, bien como Rey de España, exponentes del mayor refinamiento artístico de la dinastía. Estos palacetes de recreo y su decoración supusieron el cenit de las artes decorativas de la monarquía española, como queda reflejado en algunas de las piezas que ilustran este apartado de la exposición. Entre ellas, destacan los delicados tejidos de las mejores manufacturas españolas y francesas como las Reales Fábricas de Carlos Iranzo y Juan Antonio Miquel, establecidas ambas en Valencia, y la de Camille Pernon en Lyon así como los excepcionales muebles de ebanistas como José López y la intervención de adornistas como Pedro Cancio o Jean-Démosthène Dugourc.
El cambio de escenario. La guerra de la Independencia.

El último capítulo dedicado a las Colecciones Reales Españolas, se reduce a las dos escenas de Goya de La fabricación de pólvora , que evocan la Guerra de la Independencia, conflicto que supuso el fin del coleccionismo real. El último capítulo se centra en el impacto que supuso la Guerra de la independencia que supuso no solo un drástico cambio político, social y territorial, sino también el final del coleccionismo regio tal y cómo se había entendido hasta entonces. Para ello tan solo se exponen tres piezas: un magnífico cañón de aquella época y los dos cuadros de Francisco de Goya, “La fabricación e las balas” y “La fabricación de la pólvora”, como la mejor crónica artística de tan terribles y trágicos sucesos.
Espejo de Ultramar. El Palacio Virreinal de Nueva España.

El último apartado de la exposición enlaza las colecciones y los Reales Sitios españoles con el Palacio Virreinal de México a través de una galería de retratos de los diferentes virreyes de este periodo, así como de una variada muestra de artes decorativas que ilustran las analogías y diferencias existentes entre el arte virreinal y el desarrollado en España bajo el amparo de la corona.

TESOROS DE LOS PALACIOS REALES ESPAÑOLES. UNA HISTORIA COMPARTIDA. Organizan: Presidencia de la República de los Estados Unidos Mexicanos, Secretaría de Hacienda y Crédito Público, Patrimonio Nacional de España y Acción Cultural Española (AC/E). Colabora: Embajada de España en México. Comisarios: Pilar Benito García y Álvaro Soler del Campo. Sede de la exposición: Galería de Palacio Nacional, Plaza de la Constitución, Centro Histórico de México, Distrito Federal.

Con gran cariño y simpatía desde La Ciudad Luz,

Félix José Hernández.

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Viaje al interior del Guernica

29. Enero 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas

Cubamatinal/ Madrid, 27 de enero de 2012.

Querida Ofelia:

Viaje al interior del Guernica es un trabajo de investigación del Departamento de Conservación-Restauración del Museo Reina Sofía que, con el apoyo de Fundación Telefónica, tiene el objetivo de desarrollar el estudio más exhaustivo realizado hasta la fecha sobre el estado de conservación de esta obra icónica y universal, gracias a la utilización de la tecnología más avanzada y la experiencia de los mejores expertos. Todo ello sin necesidad de tocar el cuadro y con la intención de poner los resultados a disposición de todo tipo de públicos mediante las herramientas multimedia más innovadoras.
Para su puesta en marcha se ha diseñado y construido un automatismo robotizado de 9 m. de largo y 3,5 m. de alto. Se trata de un robot controlado por ordenador que se desplaza delante de la obra con precisión de 25 micras e incorpora diferentes sensores y cámaras que, durante el proceso de digitalización del cuadro, aportarán millones de imágenes en altísima resolución y datos absolutamente precisos, un buen número de ellos desconocidos hasta ahora. Las fotografías se realizarán utilizando los últimos avances tecnológicos en luz visible, infrarrojo multiespectral, luz ultravioleta, reflectografía espectral y escaneado en 3D.

Se trata de la primera vez que se construye un robot cartesiano de estas dimensiones para la digitalización de imágenes tomadas de una obra de arte. Además, puede afirmarse que asistimos a la realización de un estudio sin precedentes, no sólo por el desarrollo y uso de este moderno sistema automatizado para la captación de imágenes digitales en altísima resolución, sino también por la incorporación de todos los avances tecnológicos a nuestro alcance, así como la posibilidad que ofrece de realizar recreaciones virtuales que permitan mostrar la evolución de la obra desde el punto de vista material. Con ello, los restauradores conseguirán adelantarse a su deterioro y trabajar en su conservación de forma más exacta.
La última gran investigación sobre el estado de conservación del Guernica fue llevada a cabo en 1998 en el Museo Reina Sofía. En aquella ocasión, el desarrollo de la investigación y sus resultados fueron presentados en el simposio Guernica. Problemas éticos y técnicos en la manipulación de obras de arte y en la publicación Estudio sobre el estado de conservación del Guernica de Picasso. El proyecto que comienza ahora arrojará una información infinitamente más precisa sobre la obra y nos permitirá penetrar en sus distintas capas con el fin de recrear la superficie y descubrir aspectos hasta ahora desconocidos, tanto en lo que se refiere a su gestación, materiales y técnicas, estado de conservación, etc.

Viaje al interior del Guernica comenzó a gestarse 2009 con la investigación, identificación de problemas técnicos y proveedores, diseño y desarrollo del robot cartesiano. Ahora se realizará la digitalización de la obra con ayuda del automatismo robotizado, proceso que, dada su complejidad, se prolongará hasta junio de 2012.
Una vez finalizada esta primera fase, se tratarán las imágenes digitalmente y se producirán contenidos para su estudio y divulgación en diferentes soportes, que podrán ofrecerse tanto a la comunidad científica como al público interesado en un conocimiento profundo de los materiales y las técnicas de esta obra fundamental en la historia del arte del siglo XX. Será posible, por ejemplo, navegar por la superficie del cuadro en 3D o superponer diferentes capas de las digitalizaciones realizadas en un apasionante viaje al interior de la obra.
En cuanto al robot, finalizada su labor frente al Guernica, podrá ser reinstalado en el Departamento de Conservación-Restauración del Museo para seguir profundizando en el estudio de otras obras de la Colección sin necesidad de tocarlas directamente.
En el proyecto se desarrolla con un equipo multidisciplinar. Además del personal de Conservación-Restauración del Museo Reina Sofía, cuenta con la participación de investigadores del Departamento de Óptica de la Universidad Complutense de Madrid, desarrolladores de software para el diseño del movimiento del automatismo, así como de empresas especializadas en robótica o en la toma de imágenes en 3D.
Con gran cariño desde el Viejo Mundo,

Félix José Hernández.

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J. Edgar

28. Enero 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Cine

Leonardo Di Caprio, el intérprete de J. Edgar Hoover.

Cubamatinal/ París, 22 de enero de 2012.

 Querida Ofelia:
El joven galán de Titanic ha crecido. En veinte años de carrera, Leonardo Di Caprio se ha convertido en el actor de Hollywood por excelencia. Ya ha interpretado a varios líderes del mundo: del multimillonario estadounidense Howard Hughes en The Aviator a Luis XIV en El hombre de la máscara dehierro. Bajo la dirección de   Clint Eastwood, se convirtió en John Edgar Hoover, director del F.B.I., figura emblemática en la historia contemporánea de los EE.UU. “Es uno de los papeles más complejo que he propuesto”, dijo Eastwood. Un primer reto físico, ya que se trata de la vida de Hughes de los 20 a los 77 años. Por lo tanto es necesario el uso de prótesis y maquillaje para obtener un resultado sorprendente.

Aunque gana generalmente veinte millones de dólares por película, Leonardo Di Caprio,   aceptó filmar J. Edgar por sólo dos millones de dólares, por tal de ser dirigido por el gran    Clint   Eastwood. La película no es una simple biografía filmada. “En ella se   habla de las relaciones (declaró Eastwood), íntimas   entre Hoover y su entorno, con   Clyde Tolson, Helen Gandy, su madre, así como también con Robert Kennedy y otros políticos importantes.
El cineasta logró un justo equilibrio   entre las verdades, las leyendas, el secreto y el culto a la personalidad de Hoover. Leonardo Di Caprio resumió lo que siempre ha marcado la diferencia en Clint Eastwood: “Él confía en su intuición y en   su instinto. Me recuerda a un entrenador, como si yo estuviera en el ring y él estuviese allí para apoyarme”.
J. Edgar Hoover fue uno de las personas más poderosas y controvertidas de los Estados Unidos. El director del F.B.I. durante medio siglo, trabajó al servicio de ocho presidentes y durante tres guerras. Dispuesto a   proteger a su país, se rebeló contra las amenazas, reales o imaginarias. Trabajó   siempre discretamente, tanto en privado como en público. Tenía confianza sólo en unos pocos privilegiados cercanos a él: su colega y muy probable amante Clyde Tolson, su secretaria, Helen Gandy, y su madre. El filme nos hace un retrato entre zonas de   sombras y de luz, entre   la verdad y la historia.
Cuando la pongan a la venta an D.V.D.   la compraré y te la enviaré por la misma vía que suelo hacerlo.
Un gran abrazo desde La Ciudad Luz,
Félix José Hernández.

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Declaraciones del escritor Fernando Vallejo

22. Enero 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Entrevista

Cubamatinal/ Madrid, 18 de enero de 2012.

Querida Ofelia:

El País Semanal del 15 de enero, publicó una interesante entrevista del escritor colombiano, último Premio de la Feria de Guadalajara,   Fernando Vallejo con el periodista Juan Cruz.

A continuación te reproduzco un fragmento de la misma:

“Juan Cruz: Siente tanto rechazo ante la política que pide que la gente no vote. ¿Ha pensado cuál sería la alternativa?

Fernando Vallejo:  Por su­puesto. Siento una animadversión muy grande por la clase política. Digo que los llamados servidores públicos no lo son, son aprovechadores públicos que a menudo pasan a atropelladores públicos.¿Cuál sería el sistema? (…) ¿La tiranía? Es insoportable. La de Cuba es insoportable, al tirano hay que matarlo, a Fidel Castro, si no se deja,qué vamos a hacer, pero si po­demos, matémoslo, porque es un daño tan grande, que hace tanto daño a tantos,que no puede ser.¿La dictadura? Podría ser la de un bribón como Hugo Chávez, porque no es un asesino ni un carcelero. Puede entrar e irse de Venezuela sin que haya matado a nadie, que yo sepa. Hay diferencia, pero es dictadu­ra. ¿Qué queda? La democracia, la que podemos elegir, esa es la verdadera (…)”.
Fernando Vallejo, nació en Medellín, Colombia en 1942. Vivió en Roma, en donde estudió cine y en New York, hasta que en 1971 “tiró el ancla” en la capital de México. Renunció a su nacionalidad colombiana y se naturalizó mexicano, aunque después se arrepintió y desde hace sólo un año es de nuevo colombiano. Sus novelas cuentan historias sobre el homosexualismo, la marginalidad y la violencia.

Entre sus novelas más conocidas se encuentran:

Logoi. Una gramática del lenguaje literario (1983), Los días azules (1985), El fuego secreto (1987), Los caminos a Roma (1988), Años de indulgencia (1989), El mensajero  (1991), Entre fantasmas (1993), La virgen de los sicarios (1994), Chapolas negras (1995), La tautología darwinista  (1998), El desbarrancadero  (2001, Premio Rómulo Gallegos), La rambla paralela (2002), Mi hermano el alcalde (2004),   Manualito de imposturología física (2005) y La puta de Babilonia (2007).

Un gran abrazo desde nuestro querido Madrid,
Félix José Hernández

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Chagall en el Museo Thyssen Bornemisza

22. Enero 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Museos

Marc Chagall. Sueño de una noche de verano, 1939.

Musée de Grenoble, donación del artista, 1951.

 
Cubamatinal/ Madrid, 17 de enero de 2012.

Querida Ofelia:

La primera retrospectiva que se organiza en España del artista ruso Marc Chagall se presentará el   próximo mes de febrero en el Museo Thyssen-Bornemisza y en la Fundación Caja Madrid. Más de   150 obras procedentes de colecciones e instituciones públicas y privadas de todo mundo, reunidas   en ambas sedes, para repasar toda la trayectoria de uno de los artistas más destacados del siglo   XX; un creador singular, con un estilo personal e inconfundible, que ocupa un papel clave en la   historia del arte.
El   MoMA y el Guggenheim de Nueva York, la Kunsthaus de Zürich, el   Kunstmuseum de Berna, el Stedelijk Museum de Amsterdam, el Tel Aviv Museum of Art, la Tate   Modern de Londres,… y así hasta un total de veinte museos de todo el mundo, junto a un gran   número de colecciones particulares, que han cedido para la ocasión piezas fundamentales de sus   fondos. Mención especial merecen el Centre Pompidou de París, desde donde han viajado nueve   obras, y la propia familia del artista, que   ha contribuido al proyecto con un generosísimo   préstamo. El resultado, una larga y completa   selección de obras maestras realizada por el   comisario de la muestra Jean-Louis Prat, presidente del Comité Chagall, que hacen de esta   exposición un acontecimiento artístico de primer orden, difícilmente repetible, y una ocasión única   para acercarse a la extensa y particular obra de este artista imprescindible.

Marc Chagall desarrolló un estilo pictórico expresivo y colorista, muy vinculado a sus experiencias   vitales y a las tradiciones religiosas y populares de la comunidad judía rusa. En él combinó ciertos   elementos de la vanguardia cubista, del fauvismo y del orfismo de Robert Delaunay, para crear un estilo personal y difícil de clasificar. Nacido en la ciudad bielorusa de Vitebsk, Chagall tuvo una   larga vida casi centenaria, marcada por todos los grandes acontecimientos históricos de la primera   mitad del siglo XX. Trabajador incansable y siempre abierto a nuevas experiencias y   conocimientos, su producción artística es rica y abundante; estuvo siempre abierto a explorar   nuevas técnicas -óleo, grabado, escultura, cerámica, vidriera..- y acometer nuevos proyectos. Un   capítulo importante de la exposición está dedicado, por ejemplo, a su importante faceta como   ilustrador de libros. A lo largo de toda su vida, Chagall estuvo acompañado por poetas y escritores,   que fueron sus amigos y con los que mantuvo una relación de mutuo reconocimiento. Breton,   Malraux, Cendrars, Apollinaire,…muchos veían en él a un “pintor literario”; y Chagall amaba la   literatura, sobre todo el mensaje de libertad que contienen las palabras a las que él supo enriquecer   con sus composiciones llenas de fantasía y de color.
Chagall fue, efectivamente, un maestro del color; sus tonos   vibran con distintas intensidades, logrando realzar el   contenido de los cuadros: sus azules, verdes, rojos o amarillos   dan vida a los personajes, reales o fantásticos, que pueblan su   particular universo. Un mundo en el que todo es posible y   que no deja de sorprendernos, basado en historias vividas o   imaginadas: un violinista, un rabino, una pareja de   enamorados, un saltimbanqui, un paisaje y toda una amplia   gama de animales fabulosos, pueblan sus complejas   composiciones. En su obra los colores se mezclan de forma   impensable, al igual que lo hacen sus extraños personajes.   Esta peculiar combinación hace de él un precursor del   surrealismo, tal como manifestó el teórico de este   movimiento, André Breton: «Con él la metáfora hizo su   entrada triunfante en la pintura moderna»Rusia (Vitebsk, 1887) – Francia (Saint-Paul de Vence, 1985).

Procedente de la lejana y provinciana ciudad de Vitebsk, con un importante núcleo de población   judía, en el verano de 1911 el joven Chagall viaja por primera vez a París e intenta abrirse camino   en la que entonces era la gran capital del arte. Hizo amistad con los pintores Léger, Modigliani o   Soutine, y con los poetas André Salmon, Max Jacob y Guillaume Apollinaire, entre otros. En los   años siguientes a su llegada a París expuso en el Salon d’Automne y en el Salon des Indépendants. A   través de Guillaume Apollinaire conoció al marchante berlinés Herwarth Walden, que seleccionó   tres obras suyas para el primer   Herbstsalon de 1913 en Berlín y en cuya galería,   Der Sturm,   presentó su primera exposición individual en 1914. El público alemán, habituado al expresionismo,   recibió su obra con entusiasmo; fue el arranque de su fama   mundial, pasando de ser un joven artista con talento a obtener   prestigio   internacional.

Desde Berlín viajó a Vitebsk, su ciudad natal, donde le   sorprendió la guerra. En 1915 contrajo matrimonio con su novia,   Bella Rosenfeld, y, tras la Revolución rusa, ejerció durante dos   años como director de la Escuela de Arte de Vitebsk. Debido a   sus diferencias con Kazimir Malévich tuvo que abandonar la   academia y en 1920 comenzó a trabajar en el Teatro Estatal   Judío de Moscú realizando decorados y vestuarios.

En 1922 abandona Rusia para siempre y, tras pasar una corta   temporada en Berlín, en 1923 se instala de nuevo en Francia. Allí   vivió el resto de su vida a excepción de un periodo, entre 1941 a   1948, que residió en Estados Unidos para evitar ser deportado y   durante el que, en 1946, el Museum of Modern Art de Nueva   York celebró una exposición retrospectiva de su obra que   consolidó su reputación internacional.
La Virgen de la aldea fue el primer Chagall que adquirió el barón   Thyssen-Bornemisza en 1965; más tarde, sumaría a su colección   otras tres obras excepcionales que actualmente forman parte de   la colección permanente del Museo:   El gallo, La casa gris y   Desnudo.   En una de las biografías de la familia Thyssen el   Barón recuerda: “Una vez le pregunté a Chagall por qué   siempre pintaba vacas tocando el violín en los cielos de sus   pinturas. Chagall simplemente me respondió que había crecido   en el campo y por lo tanto, siempre había estado rodeado de   vacas. ‘Por eso siempre que puedo pinto vacas en el cielo’”.
El recorrido de la exposición por las salas del Museo Thyssen Bornemisza y la Fundación Caja Madrid sigue un orden   cronológico: la primera parte,  “El camino de la poesía”,   transcurre desde los inicios de su obra en Rusia y su primeros   años en París hasta su exilio forzoso en Estados Unidos,   incluyendo su experiencia en la Rusia revolucionaria y su regreso a Francia en 1920. En “El gran   juego del color”, en las salas de Caja Madrid, la atención se enfoca en su evolución artística   posterior a 1950, con los grandes asuntos que centraron el interés del artista en las últimas décadas,   como la Biblia o el Circo, su relación con los poetas contemporáneos y su producción escultórica y   cerámica.

Entre 1911 y 1914 Marc Chagall residió por primera vez en París. El pintor llegó a la capital   francesa junto a Leon Bakst, su profesor en   San Petersburgo, y, según su propio relato, inmediatamente se sintió seducido por el arte francés:
«Bakst le dio un giro a mi vida. Nunca olvidaré a este hombre. En 1911 me invitó a ir con él   a París como su asistente, pero allí nos separamos y yo caí en el ambiente de los artistas   europeos contemporáneos. En el Louvre, delante de la Olimpia de Manet, de Courbet y de   Delacroix, entendí lo que son el arte ruso y Occidente. Me sentí cautivado por el sentido de la   medida y el gusto de la pintura francesa».
A pesar de la fascinación que siente por el   ambiente artístico y la forma de vida parisiense, Chagall sigue siendo fiel al mundo de su Rusia   natal, que añora y que rememora constantemente   en su pintura. Por otro lado, su fuerte compromiso con la libertad le lleva a no adherirse a ninguno de   los movimientos artísticos de vanguardia   (cubismo, fauvismo,…), aunque sí muestra en esos   años su influencia, dando como resultado un arte   que causa admiración y extrañeza entre sus   contemporáneos.

La primera intención de Chagall   al decidir dedicarse a la pintura había sido   liberarse de la tradición del judaísmo hasídico, que   consideraba sacrílega la representación de   imágenes del hombre; quizás por ello, Chagall se   mantuvo siempre dentro de la figuración y jamás se adentró en la abstracción como la mayoría de   sus compatriotas.   La habitación amarilla,   El violinista,   Dedicado a mi prometida,   La boda, son   algunos de los magníficos ejemplos de su trabajo en París que pueden contemplarse en el arranque   de la exposición. Son obras de gran formato y composiciones complejas en las que aparece ya ese   universo completamente nuevo y único creado por Chagall; un mundo poético, fantástico o soñado, en el que todo es posible, y en el que mezcla los recuerdos de su juventud y su innato sentido del   color con la geometría y descomposición de las formas del cubismo o con el colorido vibrante de los   pintores fauves.
En el verano de 1914 regresa a Vitebsk para ver a su   novia, Bella. Aunque su intención era volver a París   tras una corta estancia, el estallido de la Primera   Guerra Mundial, primero, y de la Revolución   bolchevique, después, le hicieron permanecer en su país   hasta 1922. El fuerte contraste entre la efervescencia   vanguardista parisiense y la vida tranquila de la   provinciana Vitebsk, «triste y alegre», como la   describe Chagall en su autobiografía, provocó una   transformación en su pintura. Durante los seis años de   estancia en esa pequeña ciudad judía antes de su   traslado a Moscú, pintó una serie de cuadros -que él   denominaba «documentos»- sobre sus gentes y sus   paisajes: Bella sobre el puente, El tratante de ganado, La   novia de las dos caras, El violinista… Entre estas obras   se encuentra un conjunto de vistas de la ciudad en las   que Chagall, con su peculiar lirismo, combina   sentimientos contrapuestos, a veces idílicos, otras nostálgicos o apocalípticos, que respondían a la   felicidad tras su reciente matrimonio o a las tensiones emocionales que le produjo la Revolución   bolchevique, en la que el pintor tuvo un papel muy activo en los primeros años. Chagall nos   muestra las iglesias y los hogares modestos de sus paisanos y convierte a Vitebsk en la ciudad   idílica que sobrevolaba su amada esposa Bella o diversos personajes -Sobrevolando Vitebsk, Hombregallo sobrevolando Vitebsk,….- o en la población triste y apocalíptica que vemos, por ejemplo, en La   casa gris del Museo Thyssen.
En 1927 Chagall firma un contrato con el marchante Georges Bernheim que marcaría el inicio del   imparable éxito del pintor. Cinco años antes, había decidido volver a Occidente; primero se   trasladó por un tiempo a Berlín hasta que, en septiembre de 1923, su amigo el poeta Blaise   Cendrars le convenció para volver a la capital francesa y aceptar el encargo de Ambroise Vollard   de ilustrar con una serie de grabados su edición de Las almas muertas de Gógol y de las Fábulas de   La Fontaine. Para ilustrar el texto del escritor ruso realiza 107   grabados entre 1924 y 1927, en los que muestra un dominio   absoluto de las técnicas de punta seca y aguafuerte; con su   profundo conocimiento del pueblo ruso y su enorme fantasía,   Chagall inventa personajes que representa con total libertad y con una mordaz ironía casi caricaturesca.

En 1927 empieza a   trabajar en las   Fábulas de La Fontaine, para las que crea un conjunto de   ilustraciones que se adecúan de forma impecable a la   fantasía e ironía del escritor francés, cuyos poemas estaban   poblados tanto de héroes de la mitología clásica y popular como   de todo un repertorio de animales que se comportaban como seres   humanos. A lo largo de esos años realiza también una serie de   gouaches y obras independientes, claramente inspirados en esos   mismos temas, de los que se reúne en la exposición una completa   selección de más de cuarenta obras (La gata transformada en   mujer, El zorro y las uvas, Las dos palomas, El gallo,…) junto a   una edición de los dos libros y una selección de las propias   ilustraciones enmarcadas. Años más tarde recibe un nuevo encargo de Vollard: la ilustración de la Biblia, proyecto que vuelve a   conectarle con su infancia y con la tradición judía   hasídica de su pueblo natal. Mar Chagall maneja las   distintas técnicas de grabado con gran virtuosismo,   juega con el blanco y negro, el trazo grueso y el fino,   logrando un conjunto de obras de una fuerza   excepcional. De valor artístico unánimemente   reconocido, estos libros marcan una etapa importante   en la obra y las reflexiones de Chagall en la primera   mitad del siglo   XX. Él mismo comentará sobre esta parte de su producción:
«Creo que algo me habría faltado si, aparte del color, no me hubiera ocupado también, en   unos momentos de mi vida, del grabado y la litografía… Cuando cogía una piedra litográfica   o una plancha de cobre, era como si tocara un talismán. Me parecía que en ellas podía   colocar todas mis tristezas, todas las alegrías… Todo aquello por lo que había pasado a lo   largo de mi vida: los nacimientos, las muertes, los matrimonios, las flores, los animales, los pájaros, los pobres obreros; los padres, los enamorados en la noche, los Profetas Bíblicos, en la calle, en casa, en el Templo y en el Cielo. Y, con la edad, la tragedia de la vida, en nosotros mismos y en torno a   nosotros».

En 1944 Bella murió inesperadamente y Chagall deja de pintar durante unos meses. Un año   después, su asistente Virginia McNeil se convierte en su nueva compañera. Con ella volverá definitivamente a Francia y, en la primavera de 1950, se instalan en la localidad de Vence, en la Provenza. Una nueva luz, la del sur de Francia, vuelve a fascinar a Chagall y encuentra ahí una nueva tierra de acogida; una tierra de colores   celestes que impregnan sus obras de las últimas décadas y en las que no abandona sus temas clásicos, la religión, la familia, los sueños, la fábula o el circo: El circo azul, La danza, Los tejados rojos, Mundo rojo y negro, La guerra, Los amantes en el poste…. son algunos de los títulos que pueden verse en la gran sala central de la Fundación Caja Madrid.

En esos años se embarca también en una nueva aventura artística: la cerámica. La invención de formas y la aplicación del color sobre el barro o el barniz le permiten enlazar con un arte de tradición popular por el que rápidamente se siente entusiasmado. Esta experiencia le conducirá pronto a adentrarse también en el mundo de la escultura y empieza a trabajar el mármol, la piedra o el bronce; materiales imperecederos con los que recupera los gestos y los recuerdos de un arte primitivo, de nuevo una vuelta a sus orígenes, a la religión, a la fantasía:

“En la cerámica, en la escultura, ¿qué puedo aportar? Tal vez el recuerdo de mi padre, de mi madre, de mi infancia, de los míos. Ante la materia ¡hay que ser humildes, hay que someterse a ella! La materia es natural, y todo lo que es natural es religioso”.
La exposición reúne una selección de piezas escultóricas, cerámicas y relieves, algunas de ellas inéditas, que centraron la actividad del artista a   partir de 1950. En esos años Chagal recupera también algunos proyectos abandonados con motivo de la guerra, como las ilustraciones de libros, y se embarca en otros nuevos. Una retrospectiva   en Jerusalén en 1951 le llevará a Israel que, a partir de entonces, visita con asiduidad. En 1952 se separa de Virginia y poco después se casa con Valentina Brodsky (Vava); su viaje de luna de miel a Grecia le inspira un nuevo proyecto de ilustración: Dafnis y Chloe, para cuyo montaje en la Ópera de París hizo también vestuarios y decorados. En 1958 se inicia en la creación de vitrales y realiza diseños para la catedral de Metz, la sinagoga de la Clínica Universitaria de Hadassah, en Jerusalén, o el Art Institute de Chicago, entre otras. En 1963 el ministro de cultura francés, André Malraux, le encarga   los frescos del techo de la Ópera de París, doscientos metros cuadrados en los que Chagall realiza un homenaje a los grandes compositores -Mozart, Ravel, Stravinsky o Debussy- y cuyo boceto puede verse en una de las salas de la exposición.

El recorrido termina con un espacio dedicado a uno de sus grandes temas: el circo. Un mundo mágico por el que muestra gran interés a lo largo de toda su vida y que de nuevo le conecta con su infancia en Vitebsk, donde era frecuente la llegada de grupos ambulantes de saltimbanquis que, con su aire de libertad y fiesta, fascinaba a los niños que como él esperaban impacientes su visita. Ya en la década de 1920 Vollard, que tenía un palco en el Circo de Invierno parisiense al que a menudo invitaba a Chagall, le hizo el encargo de ilustrar un libro sobre el tema, pero será en los años 1960 cuando concentra más su atención sobre él, quedando plasmado en un conjunto de gouaches y en un libro editado en 1967.

En 1969 se organiza la más importante retrospectiva de su obra en el Grand Palais de París. En 1973 la ministra rusa de cultura le invita a visitar su país natal a donde no volvía desde 1922; ese mismo año, se inaugura en Niza el Museo Nacional del Mensaje Bíblico Marc Chagall. Con 97 años inaugura la gran retrospectiva que en 1984 organizó la Fundación Maeght. Pocos meses después fallece en su casa de Saint-Paul de Vence, dejando en marcha numerosos   proyectos inacabados.
Exposición Chagall. Organiza por el   Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid. Fechas y sedes: Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza y Casa de las Alhajas, Fundación Caja Madrid, del 14 de febrero al 20 de mayo de 2012. Comisario: Jean-Louis Prat, presidente del Comité Chagall. Directora del proyecto: Paloma Alarcó, jefa de conservación de Pintura Moderna del Museo Thyssen-Bornemisza. Coordinadora: Clara Marcellán, Área de Pintura Moderna del Museo Thyssen-Bornemisza.
Un gran abrazo desde nuestro querido Madrid,

Félix José Hernández.

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Masahito Shinoda y la renovación estética japonesa

9. Enero 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas cinematográficas

Samuray Spy de Masahiro Shinoda

Cubamatinal/ Madrid, 3 de enero de 2012.

Querida Ofelia:

El Cine Estudio y Fundación Japón Madrid, proponen para este mes de enero la primera retrospectiva dedicada en nuestro país a uno de los directores fundamentales de la historia del cine japonés, Masahiro Shinoda. La selección está formada por siete películas claves en la filmografía del realizador, realizadas todas ellas durante su momento de mayor desarrollo artístico, las décadas de los sesenta y setenta: The Dry Lake, My Face Is red in the Sun, A Flame at the Pier, Pale Flower, Assassination, Samurai Spy y Himiko.

Masahiro Shinoda, nacido en 1931 en la localidad japonesa de Gifu, es un director y guionista todavía en activo que comenzó su carrera en el estudio Shochiku, junto a maestros como Yasujiro Ozu y Kiju Yoshida, con los que pocos años más tarde compartiría calidad y volumen de trabajo. La filmografía de Shinoda se compone, hasta la fecha, de 32 largometrajes. Desde joven Shinoda se interesó por el teatro, estudiando arte dramático y especializándose en el teatro japonés tradicional. Sería en 1953 cuando comience su carrera en la industria cinematográfica, siendo uno de los principales realizadores encuadrables en el Nuevo Cine Japonés de los años 60, la Nuberu Bagu, movimiento que apostaba por la renovación de un cine que debía amoldarse a una nueva sociedad, la que surgía en el Japón posterior a la II Guerra Mundial. Desde estos planteamientos, Shinoda partiría poco después hacia un cine más personal y de planteamientos mucho más libres.
Shinoda trabajó desde la base de los géneros tradicionales del cine japonés, el yakuza eiga o cine yakuza, el jidai geki o drama histórico, el chambara o películas de espadachines, para romper con las barrearas que esos mismos géneros imponían. De este modo, Shinoda centró su cine en tratar temas universales como la moralidad en tiempos de crisis o la desorientación y el vacío espiritual de la generación japonesa que vivió su juventud en los años de posguerra y se vio obligada a afrontar un cambio social y político sin precedentes en la historia del país. Su trabajo ha gozado de un importante reconocimiento internacional por adelantarse a su época, explorando la belleza, el amor y la violencia mezclados en una ambientación modernista, convirtiéndose así en el impulsor de una nueva forma de expresión en la que se recortan la violencia, la marginalidad y la crítica social.
Shinoda también destaca como cabeza visible de su propia productora cinematográfica independiente, Hyogen -sha, con la que ha conseguido plasmar sus propias ideas y mantenerse al margen de las demandas comerciales de otros estudios de mayor envergadura.
PELÍCULAS QUE COMPONEN EL CICLO:

• THE DRY LAKE . Masahiro Shinoda, Japón, 1960. Int.: Shin’ichiro Mikami, Shima Iwashita, Kayoko Honjo.
• MY FACE IS RED IN THE SUN . Masahiro Shinoda, Japón, 1961. Int.: Yusuke Kawazu, Shima Iwashita, Ichiro Sugai.
• A FLAME AT THE PIER . Masahiro Shinoda, Japón, 1962. Int.: Takashi Fujiki, Mariko Kaga, Kishida Kyoko.
• PALE FLOWER . Masahiro Shinoda, Japón, 1964. Int.: Ryo Ikebe, Mariko Kaga, Takashi Fujiki.
• ASSASSINATION . Masahiro Shinoda, Japón, 1964. Int.: Tetsuro Tamba, Eiji Okada, Ozawa Eitaro.
• SAMURAI SPY . Masahiro Shinoda, Japón, 1965. Int.: Koji Takahashi, Eiji Okada, Seiji Miyaguchi.
• HIMIKO . Masahiro Shinoda, Japón, 1974. Int.: Shima Iwashita, Masao Kusakari, Rentaro Mikuni.

Un gran abrazo desde nuestra querida Madrid,
Félix José Hernández

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El Señor de las Moscas

8. Enero 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas cinematográficas

Piggy y Ralph

Cubamatinal/ París, 31 de diciembre de 2011.

Mi querida Ofelia :

Termino este año con una crónica sobre una impresionante película de Peter Brook, verdadera obra de arte, que acabé de ver mientras mi esposa se preparaba para celebrar la Nochevieja con amigos italianos en Montmarte.
Brook supo llevar a la gran pantalla en 1963 la célebre novela de William Golding publicada en 1954. La película comienza en plena Segunda Guerra Mundial en Londres bajo los bombardeos ordenados por Hitler. Un avión cargado de niños, vestidos con los uniformes de las prestigiosas escuelas de la élite británica, entre 6 y 12 años, despega hacia Australia, pero se estrella en la playa de una isla deshabitada del Océano Pacífico. Sólo los niños se salvan.
A partir de ese momento, los educados niños británicos, al no estar bajo la autoridad de ningún adulto,   comienzan a comportarse violentamente, regresando poco a poco al estado de la comunidad primitiva. Desaparece lentamente toda noción de civilización occidental para dar paso a los peores instintos de crueldad.
El personaje de Piggy (el cerdito), niño gordito, miope, asmático, maduro psicológicamente, que trata de solucionar los problemas razonablemente y con cordura, es la víctima perfecta para los violentos. Su trágica muerte aplastado por una roca nos muestra   hasta dónde puede llegar “el salvaje” que quizás todos llevemos escondido.
La película fue filmada en la isla de Vieques, Puerto Rico. El niño actor que   interpreta a Piggy fue el único que llegó directamente desde Gran Bretaña, todos los demás eran niños británicos que vivían en New York, salvo el que interpreta a Ralph, el cual   vivía en Jamaica en una base militar junto a su familia.
Ralph es un chico inteligente, sensible, que trata de mantener los valores de nuestra civilización y el orden entre los niños. Se convierte en el primer jefe gracias a un caracol que es el símbolo del poder. La escena en la playa cuando trata de huir al linchamiento de los niños guerreros bajo   el poder de Jack en plena isla incendiada y el primer plano de su rostro mientras se arrastra por la arena, que nos ofrece la cámara de Brook, es todo un símbolo.

Jack (como Jack the Ripper), posee el deseo del poder, es un caudillo carismático violento, cínico e hipócrita, que posee la cuchilla con la que logra intimidar e imponer su poder despótico sobre los demás niños. Mata a un   cerdo salvaje (¿Belcebú?) y clava su cabeza en un palo (que según se pudre se va llenando de moscas), para ofrecerla como ofrenda a la supuesta bestia que vive en la isla. Su ayudante es el sádico y cruel Roger.

El título original del filme es Lord of the Flies y hay que recordar que Belcebú es también llamado El Señor de las Moscas, divinidad cananea que para los judíos y los cristianos se convirtió en el príncipe de los demonios.

Simón

Otro de los niños que impresionan al espectador es Simón (como el personaje bíblico de San Pedro), ya que es el   símbolo de la bondad natural del ser humano. Descubre que la bestia no es más que el cadáver de un paracaidista que cayó en una roca en la parte más alta de la isla. Al regresar a comunicarlo a los otros niños, es asesinado salvajemente por éstos. La escena de su cuerpo flotando en el mar como un Cristo infantil, es una de las más conmovedoras de esta obra de arte cinematográfica.
Cuando recorrí   los campos de concentración de Auschwitz, Birkenau   Treblinka y el pueblo de Lídice, me impresionaron las fotos de los jóvenes soldados alemanes conduciendo a: viejos, madres con sus bebés en brazos y a tantos niños, todos desnudos, hacia las cámaras de gases. Lo cual demuestra también que una ideología puede llevar al ser humano a convertirse en un monstruo. Las más de veinte millones de personas que murieron en los campos de concentración soviéticos son también una prueba de ello, aunque de esto último se escriba y se hable mucho menos a causa de la sensibilidad selectiva de numerosas personas.
Un gran abrazo y … hasta el año que viene si Dios quiere.
Félix José Hernández.

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¿Restaurante Le Soufflé o Le Soufflet ?

7. Enero 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas de un pésimo servicio de hostelería

Cubamatinal/ París, 31 de diciembre de 2011.

Querida Ofelia:

Anoche fuimos a cenar en unión de dos parejas de amigos italianos   que vinieron a pasar   el fin de año en La Ciudad Luz, al Restaurante Le Soufflé (abuñuelado, inflado o hinchado). Pero fuimos tan maltratados que yo propongo que se le cambien el nombre por el de Le Soufflet (bofetón, bofetada, guantazo).
Todo comenzó cuando llegamos a las 8 p.m. y el camarero que recibía en la puerta del local, en una forma agresiva nos ordenó que nos fuéramos, que la reservación era para las 9 p.m. Es posible que yo me haya equivocado cuando hice la reservación por teléfono, pero la forma de impedir que nos quedáramos en el vestíbulo, nos cerrara la puerta en las narices y   nos pusiera prácticamente “de patitas en la calle” bajo la lluvia me confirmó de nuevo, como si fuese necesario, la forma en que son tratados los turistas en algunos lugares en París. La reservación estaba hecha a nombre de nuestro gran amigo italiano y al llegar todos conversábamos en esa bella lengua.
Como en una noche de 30 de diciembre todos los restaurantes suelen estar completos, después de dar un paseo bajo la lluvia por la espléndida Place Vendôme, regresamos a las 9 p.m. Tuvimos que pedir que nos recogieran los abrigos, pues al desagradable y autoritario camarero sólo le interesaba tomar nota de los platos que pedíamos. Éste exigió que escogiéramos inmediatamente el postre. Reconozco que la cena fue de una calidad correcta. Pero a la hora de los postres le trajeron a uno de nuestros amigos un gran dulce de chocolate que él no había pedido.

El camarero insistió en que lo había pedido y exclamó… ¡Qué tenía que comérselo! ¡Algo realmente inaudito! Pedí hablar con el patrón y resulta que era él. Le dije en francés: “usted no puede obligar a un cliente a comer algo que no ha pedido, ¡Esto es insólito!” Se retiró de mala gana mientras exclamaba en voz alta: “¡Ahí se lo dejo, no se lo voy a cobrar!
La falta de savoir faire fue enorme. Creo que deberían enviarlo junto a los otros camareros a pasar un curso en la célebre Escuela de Hotelería de la ciudad suiza de Lausanne, considerada como una de las mejores del mundo.
Al fin llegó la cuenta. El patrón lanzó en voz alta en una especie de venganza: “no les cobré el dulce de chocolate”. Lo cual   hizo que llamáramos la atención del resto de los clientes. No nos trajeron los abrigos. Tuvimos que desplazarnos hasta un   pasillo que comunica con otra sala, abrir un gran armario, tomar nosotros mismos los abrigos desde altos percheros que colgaban a unos  tres metros de altura ante   los impasibles camareros.

Al salir a la calle había un taxi aparcado frente al restaurante, mi esposa se fue a dirigir al chofer, cuando el patrón se precipitó para decirle de una forma poco elegante: “éste no es para usted, yo   lo pedí para otro cliente”.
Creo que nunca más iré al Restaurante La Bofetada y además, no se lo recomiendo a nadie salvo a los masoquistas.

Un gran abrazo desde La Ciudad Luz y… Feliz Año Nuevo,
Félix José Hernández.

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Música Infrecuente en Madrid

6. Enero 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas

Cubamatinal/ París, 30 de diciembre de 2011.

 

Querida Ofelia:

 

Música Infrecuente es una referencia establecida a lo largo de más de diez años de andadura en diversas salas del país como alternativa al clásico festival temático . El resultado ha sido una asistencia creciente de un público cada vez más exigente que busca la novedad. Asimismo, es una idea abierta comprometida con un alto nivel de calidad y originalidad que atiende a una nueva manera de concebir la oferta cultural.

 
En esta ocasión, el Círculo de Bellas Artes de Madrid será la sede oficial. Albergará, entre enero y marzo de 2012, una selección de propuestas que enfocan el espectáculo musical de manera singular: sonidos del mundo, jazz, clásica, fusión… Un recorrido heterogéneopor épocas y estilos a través de un diseño sonoro elaborado por Openmusic que nos acercará a artistas procedentes de muy distintas disciplinas.

En las puertas de Oriente. El espectáculo que abre el festival Música infrecuente estará protagonizado por Dimitris Psonis, un multi instrumentista y compositor de procedencia griega que domina con maestría diversos instrumentos -hasta doce-que bien podrían encontrarse en las cortes de los sultanatos de las Mil y una noches . Este espectáculo nos trasladará a un espacio sonoro de gran riqueza, gracias a una selección de obras clásicas y tradicionales de las culturas del Mediterráneo y de Oriente próximo .

Sound painting. RMM presenta un espectáculo musical y visual con la participación del gran pintor Daniel Merlín. Los temas de nueva creación de este polifacético grupo se desarrollan en consonancia con la creación in situ de imágenes en un gran lienzo . Una apuesta estética de gran calidad que la crítica especializada ha descrito como: … un espectáculo fresco, sólido y divertido .

Tubos del mundo. Bufa & Sons proponen el reciclaje y la observación de nuestro entorno para poner en solfa un concierto donde los protagonistas son objetos que vemos pero que no oímos cada día: una escoba, una muleta, una escalera, una regadera… La música está donde decidamos encontrarla.
Aboubacar Sylla Project.   La formación procedente de la costa oeste del continente africano ofrece una propuesta musical de profundas raíces autóctonas. Su último proyecto, African sounds , que presentarán en el Círculo de Bellas Artes, es una original muestra de la nueva música africana que entronca con la tradición artística del folklore guineano.

Chronos. Chronos lo forman dos instrumentistas que, con la ayuda de percusiones e instrumentos de viento, recrean diferentes atmósferas con un toque muy personal, utilizando medios mínimos para lograr un compromiso tímbrico y estilístico de gran belleza. Los artistas se desenvuelven en diversos escenarios: desde la antigüedad hasta los sonidos del siglo XXI.

Bass Pilgrim.El contrabajista Renaud García-Fons, que acaba de ser galardonado con el premio Giraldillo al mejor intérprete de flamenco del año 2010 por la Bienal de Flamenco de Sevilla, nos propone un imaginativo itinerario entre el espacio y el tiempo. Bass Pilgrim es el título de este peregrinaje por las músicas de los cinco continentes ; un concierto que conjuga la técnica más prodigiosa con obras de autoría propia de unos de los contrabajistas más asombrosos de la actualidad , conocido por su virtuosismo apabullante, su sentido melódico mediterráneo y su sonido con arco parecido a una viola.

Soundscapes.Audiometrage es un nuevo acercamiento al sonido a través de la tecnología desarrollada por un grupo de investigadores de la Universidad Pompeu Fabra. Daniel Cantero es uno de los expertos en este instrumento que ha llamado la atención de músicos como la islandesa Björk. Junto a Juanjo Guillem, percusionista de renombre internacional y fundador de Neopercusión, nos ofrecen un programa de obras de nueva creación con la participación de Ernesto Schmied como músico invitado. Soundscapes es el resultado del encuentro sonoro de tres músicos en un viaje de síntesis de sonidos del mundo acústico y de la creación electrónica .
Canonycaos .  Las fronteras de la música culta y la música popular desaparecen en el planteamiento musical de Losvo. Los ritmos étnicos, de origen africano o árabe, se hermanan con esquemas clásicos y armónicos cercanos al jazz, al barroco o a la música celta. Esta música viene de un terreno ambiguo, un lugar propicio para experimentos rítmicos, armonías contemporáneas y quizá algún que otro recurso más propio del mundo de la música de cámara que del folk.
Y así va la cultura en nuestra querida Madrid en este fin de año.
Un gran abrazo desde estas lejanas tierras allende los mares,
Félix José Hernández.

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Travesura militar en dos actos

5. Enero 2012 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas

Cubamatinal/ París, 30 de diciembre de 2011.

 

 

Querida Ofelia:

 

La compañía asturiana El Perro Flaco Teatro , creada en 2006, presenta B-52.Travesura militar en dos actos en el madrileño Teatro Fernando de Rojas. Obra escrita por Santiago Alba Rico y que constituye su debut en teatro. El autor (ensayista, escritor y guionista) es conocido por haber trabajado como guionista del programa de TVE La Bola de Cristal . La obra está editada por Hiru , responsable de la colección de teatro Eskene , de gran importancia en cuanto a teatro contemporáneo.

La representación comienza con el 32º cumpleaños de Caty. Ella y sus cuatro amigos, deciden jugar a su juego preferido: B -52. Serán pilotos de un bombardero que, saliendo de la Florida, volverá a su lugar de origen después de bombardear un objetivo en Irak. El trayecto es divertido, y se toman tan en serio el juego que casi parece que es de verdad.

El espectáculo ha sido nominado a los Premios Oh! 2010(Premios del teatro profesional asturiano) en las categorías de Mejor Dirección (David Acera y Sonia Vázquez), Mejor Intérprete Masculino (Jorge Moreno) y Mejor Música Original (Daniel Moro).

… El punto de partida del texto resulta tan brillante como su desarrollo. Es ágil, divertido, ingenioso… tanto su autor, como sus directores, han realizado un trabajo arriesgado y muy solvente… Diego Díaz. Diagonal periódico

… en B-52 se une con gran acierto esa inocente cotidianidad en que vivimos con las drásticas consecuencias que supone la inacción, gracias al acertado trabajo de sus directores y el paso de unos actores – igualmente acertados -…Néstor Villazón. La Ratonera, Revista Asturiana de Teatro.

Un gran abrazo desde La Ciudad Luz,

Félix José Hernández.

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Il Gattopardo

28. Diciembre 2011 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas culturales: Cine y Literatura

París, 27 de diciembre de 2011.

Querida Ofelia:

Acabo de ver de nuevo después de más de dos décadas, esa obra de arte cinematográfica del gran maestro italiano Luchino Visconti, que es Il Gattopardo.
La celebérrima novela de Giuseppe Tomasi de Lampedusa fue publicada por la casa editora Feltrinelli en 1959 después de la muerte del autor, con un excelente prólogo de otro grande de la literatura contemporánea italiana: Giorgio Bassani, autor entre otros de “El jardín de los Finzi Contini” y “Las gafas de oro”, dos de mis novelas preferidas. Después de ganar el prestigioso Premio Strega, Il Gattopardo se convirtió en un best seller no sólo en Italia.

En 1963 Visconti (ya conocido por   haber dirigido grandes obras como “Rocco y sus hermanos” y “Muerte en Venecia”), llevó la ya célebre novela de Lampedusa a la pantalla con el talento genial que lo caracterizaba. Para interpretar al Príncipe Salina escogió al brillante actor Burt Lancaster. Recuerdo sus famosas actuaciones en “Trapecio” junto a Tony Curtis y Gina Lollobrigida o “La Rosa Tatuada” junto a   la sublime Anna Magnani. El público estadounidense no aceptó al duro cow boy Lancaster en el papel de príncipe siciliano del siglo XIX. Por tal motivo, cuando fue estrenada, fue un rotundo fracaso en los EE.UU.
En 1860 Garibaldi desembarcó con su ejército en Sicilia. Desde su fastuosa mansión de Donnafugata, el Príncipe Salina se percató de que el mundo en el que había vivido hasta ese momento se venía abajo y decidió tratar de salvar su posición y la de su familia. Se acercaba el fin del poder aristocrático para dar paso a la despreciada burguesía que “reinaría” a partir de   la reunificación de Italia.
Salina decidió casar a su sobrino Tancredi (Alain Delon) con la bellísima Angela (Claudia Cardinale), hija del rico burgués Calogero Sadara, alcalde de   Donnafugata, para adaptarse a los nuevos tiempos.
Las escenas del baile filmadas en el Palacio Gangi de Palermo, forman parte de las más bellas del filme debido al lujo exquisito, el refinamiento, los diálogos y a la pareja mítica de Alain Delon y Claudia Cardiale, los que gozaban del esplendor de su juventud.

La escena del Príncipe Salina arrodillado en una polvorienta calle al ver pasar al sacerdote para ir a dar la extremaunción a un enfermo grave y su posterior entrada en un callejón oscuro es todo un símbolo de su vida, que en realidad es la vida de Luchino Visconti.

En 1963 el Festival de Cannes otorgó La Palma de Oro a Il Gattopardo. El éxito mundial fue inmediato. La película se convirtió en uno de los grandes clásicos del cine.

Compraré el DVD y te lo haré llegar por la misma vía que suelo hacerlo.

Te deseo de todo corazón un próspero 2012 y que todos tus sueños se conviertan en realidad.

Félix José Hernández.

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El chocante Belén de la Iglesia de la Madeleine de París

27. Diciembre 2011 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas

Cubamatinal/ París, 27 de diciembre de 2011.

Querida Ofelia:

El día 23 mi esposa y yo salimos a pasear por París con nuestros nietos para mostrarles los bellos Nacimientos o Belenes que se montan en las iglesias. Nuestra sorpresa fue grande en la Iglesia de La Madeleine, pues la Virgen María con una careta dorada y vestida lujosamente, parecía acabar de llegar del Carnaval de Venecia.
San José está representado vestido de harapos morados y con una cara como la que los cubanos estamos acostumbrados a ver representados a algunos orishas del panteón africano en los cultos sincréticos de nuestra Patria. Provocaba miedo entre los niños.

Escuché a una niñita que le preguntaba a su mamá: “¿Ese es un hombre malo?” El buey y el asno parecen espectros repulsivos. El abanico situado detrás del pesebre, las cortinas doradas y plateadas y tantas piedras en colores, recuerdan más bien los escaparates de algunas tiendas “templos” de la vanidad y en nada a una iglesia.
¡Al lado del altar había una alcancía donde se pedía a los fieles que depositaran dinero!
Tendré que pasar de nuevo para ver cómo está representado el Niño Jesús en el pesebre. Ya te contaré.
Y así van las cosas por estos lares.
Un gran abrazo desde La Ciudad Luz,
Félix José Hernández.

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Recetas para la Nochebuena cubana

24. Diciembre 2011 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Especial para  La Cocina de la abuela

Cubamatinal/ París, 24 de diciembre de 2011.

Querida Ofelia:

Te envío las recetas que me hizo llegar desde Cuba nuestra amiga Esther Vergara, para que preparásemos en París una Cena de Nochebuena cubana.
LECHÓN ASADO

INGREDIENTES:

1     lechón

3     cucharadas de orégano no tostado

1/2    taza de sal

3     cabezas de ajo

6     na ranjas agrias

Manteca para untar al lechón

Preparación:
Se mata el lechón la víspera de asarlo. Después de matado se pela y limpia bien, raspándolo con un cuchillo y echándole agua caliente según se raspa. Se abre por el vientre y se limpia el interior. Después de limpio y lavado por dentro y por fuera, se cuelga hasta el día siguiente. Se polvorea con sal dos o tres horas antes de adobarlo. Se machacan en el mortero los dientes de ajo con el orégano hasta triturar bien la mezcla. Se le añade zumo de naranja agria. Se frota todo el interior del lechón con este adobo. Se deja du­ rante 5 ó 6 horas adobándose. Se coloca el lechón en una tartera, con la piel hacia arriba. Se frota bien todo el pellejo con manteca, para que se dore bien y quede tostadito. Se asa en el horno, hasta que esté dorado y al pinchar los perniles y partes carnosas, no salga jugo. Se retira del calor y después se corta en pedazos. Se sirve con un mojo hecho con manteca, dientes de ajo machacados y zumo de naranja agria.

El asado típico en el campo: Consiste en asar el lechón, abriendo un hoyo en la tierra, donde se coloca la leña y ramas de guayabo. Cuando esté   ardien­ do se cubre con una parrilla y sobre ésta se pone ellechón, que se cubre con hojas de plátano. Mientras seestá asando se baña con frecuencia con mojo previa­mente preparado.
CHICHARRONES DE PELLEJO

Preparación:

Se le quita le grasa al pellejo en la parteinterior y se raspa por el exterior para quitarles lospelos. Se corta en pedazos. Se pone a cocinar hastaablandarlo. Se escurre bien. Se polvorea con sal. En una sartén o caldera de hierro, con manteca bien ca­ liente se van echando los pellejos, volviéndolos con la espumadera y procurando que no se quemen. Aumen­ tan considerablemente de tamaño y quedan tostados.
YUCA CON MOJO

INGREDIENTES:

1 1/2 libra de yuca

6   cucharadas de jugo denaranja agria

MOJO

1    cebolla chiquita cortada en anillos

6   dientes de ajos

6    cucharadas de manteca
Preparación:

Se pela la yuca y se, parte en trozos. Se cocina en una ollita con agua suficiente a cubrirla. Cuan­ do la yuca esté empezando a ablandarse, se le bota elagua y se le echa agua de nuevo. Cuando rompe a hervir se le añade una cucharada de sal y se deja coci­ nar a fuego lento hasta que esté blanda. Se escurre y se coloca en una fuente. Se le vierte el mojo y se sirve .

Preparación del mojo:

Se machacan en el mortero losdientes de ajo y se les va añadiendo poco a poco el jugode la naranja agria. Se echan los anillos de cebolla en el mortero y después la manteca bien caliente.

FRIJOLES NEGROS

INGREDIENTES:

1    libra de frijoles negros

3    litros de agua

1    hoja de laurel

1    ají grande cortado en tiras

1    cebolla pequeña cortada en cuartos

1    ajo picadito

Sal y pimienta al gusto

1    “cucharoncito” de aceite

Cebollas picaditas

2    ajíes verdes picaditos

1    cucharadita de oréga­no tostado

4    dientes de ajos

1   chorrito de vinagre
Preparación:

Se esçogen y lavan los frijoles. Se remo­ jan en el agua un rato. Se ponen a cocinar en una ollay cuando estén a medio cocinar se les añade la hojade laurel, las tiras de ají, los cuartos de cebolla y el ajo picadito. Cuando estén blandos se prepara el sofrito del siguiente modo: En una sartén se echa el aceite y cuando esté bien caliente, se le añaden las cebollas pi­ caditas y los ajíes. Cuando estén blanditos, se añadenlos dientes de ajo machacados con el orégano. Se sofríeunos minutes. Se le añade un cucharón de frijoles y se les da vueltas unos minutos. Se vierte en les frijo­les y se sazona con sal y pimienta al gusto. Se cuaja el caldo con algunos frijoles bien machacados. Se revuelve bien. Se retira del fuego y se le añade un chorrito de vinagre.
YEMAS ACARAMELADAS

INGREDIENTES:

12   yemas

1    cucharada de agua de azahar

6    onzas de azûcar en pol­vo

Caramelo
Preparación:

Se mezclan las yemas, azúcar y agua de azahar. Se cocina a fuego muy lento, revolviendo seguido, hasta que se desprenda de la paila. Se vierte enun mármol engrasado y cuando se refresque se formanlas bolitas. Se pasan por caramelo. Se escurren y secolocan en un mármol engrasado hasta que se enfríen.
YEMITAS EMPOLVADAS

INGREDIENTES:

2     libras de azúcar

1/2   litro de agua

Un pedacito de vaina de vainilla

1     taza de leche

20    yemas

Azúcar en polvo

Preparación:

Con el azúcar, agua y vainilla se hace un almíbar a punto fuerte. Se deja enfriar. Se mezclan bien la leche y las yemas. Se cuela la mezcla. Se le echa poco a poco el almíbar, revolviendo. Se cocina fuego lento, moviéndolo constantemente, hasta que esté bien cuajado y se desprenda de la paila. Se vierte en un mármol y se enfría. Se van haciendo las bolitas y se pasan por azúcar en polvo. Se ponen en capacillos.
¡Que Dios te dé toda la felicidad del mundo junto a tus seres queridos!
Un gran abrazo y… Feliz Navidad,

Félix José Hernández.

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Recepción franco libanesa en el Palacio de Luxemburgo

24. Diciembre 2011 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas

Palais de Luxembourg de París

Cubamatinal/ París, 24 de diciembre de 2011.

Querida Ofelia:

Sólo hoy he logrado encontrar el tiempo necesario para contarte sobre una gran soirée a la que tuvimos el honor de ser invitados en el Palais de Luxembourg, sede del Senado de Francia el pasado 7   de noviembre.
A la 6 en punto de la tarde,   Madame Kammermann, senadora representante de los franceses establecidos en el extranjero, leyó el texto enviado por Monsieur M. Pietton, embajador de Francia en el Líbano.   A continuación se dirigió al público que llenaba la Salle Monnerville, Monsieur Boutros Assaker, embajador del Líbano en Francia.

Madame Clotilde de Fochécour, presidenta de L’Association Francophonia Liban –  “Le français en partage”, explicó al público la importancia del trabajo de   L’Association Francophonia Liban por el desarrollo de la lengua y la cultura francesa en el Líbano: varias escuelas francesas han recibido a directores, profesores y alumnos procedentes del Líbano y viceversa desde noviembre de 2010. También se han enviado a escuelas libanesas: libros, DVD, CD y materiales pedagógicos para la   enseñanza de la lengua de Molière. En 2012 seguirán esos tipos de intercambios culturales y los envíos de materiales.
El recital de poesías y de textos poéticos interpretado por la actriz Edith Vernes-Karaoglan, puso una nota bellísima y provocaron la ovación del selecto público, entre el cual reconocí a grandes figuras de las artes y las letras libanesas y francesas.
Con gran sentido del humor y la erudición que lo caracterizan, Monsieur Antoine   Sfeir, redactor en jefe   de la célebre revista Les Cahiers de L’Orient, disertó sobre “La francophonie au Liban: héritages et défis”. Acto seguido pasó a responder brillantemente a las preguntas del público sobre temas franco libaneses.
Pasadas las ocho de la noche, fuimos invitados a dirigirnos hacia los elegantísimos Salons Boffrand,   de la Présidence du Sénat. A pesar de llevar 31 años visitando lugares extraordinarios, aún me queda capacidad para apreciar el esplendor de la escalinata interna, los corredores decorados con bustos de mármol, las arañas y   candelabros cuyas luces se reflejaban en los preciosos espejos, las cortinas, los frescos de los techos y los muebles de estilo junto a las grandes chimeneas de mármol.

Palais de Luxembourg de París

En un salón decorado con un lujo exquisito, pudimos disfrutar de la bella voz de la mezzo-soprano Roula Safar, la cual cantó poemas de Georges Schéhadé, Nadia   Tuéni y Vénus Khoury-Ghata.
A lo largo de la Recepción, el buffet estuvo a la altura del derroche de cultura del cual pudimos   disfrutar.   Si alguien nos hubiera profetizado allá en el terruño camajuanense de nuestra infancia, que un día   participaríamos   a una soirée parisina nada menos que en el Palais de Luxembourg, de seguro que no le habríamos creído.
Para más información sobre las actividades culturales y de difusión de la lengua y culturas francesas en el Líbano, los interesados se pueden dirigir a: Francophonia Liban- “Le Français en partage”. 16 rue Edouard Nortier. 92200 Neuilly-sur-Seine. France. accueil@francophonia-liban.orgywww.francophonia-liban.eu
Un gran abrazo desde La Ciudad Luz, deseándote Feliz Navidad con: paz, amor, salud y… Libertad.
Félix José Hernández.

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Los intentos guerrilleros cubanos contra Trujillo y Duvalier

24. Diciembre 2011 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas de Historia

De izquierda a derecha: Mario Marín, Eloy Gutiérrez Menoyo, Henry Fuerte  (el Argelino)  y William Morgan, de rodillas José Arcadio García.

Cubamatinal/ París, 20 de diciembre de 2011.

Querida Ofelia:

Te envío una nueva parte de los testimonios del ex guerrillero del Escambray   Roger Redondo. Estoy seguro de que servirá a los historiadores que se interesen a la historia de Cuba en el período que va desde la segunda mitad del siglo XX a nuestros días.
“A cinco kilómetros   de la ciudad de Trinidad   con rumbo a la ciudad de Cienfuegos, a sólo varios cientos de metros de la carretera, se encontraba la finca de Tomás Serquera. Un día llegué por la tarde en compañía de Héctor Rodríguez. Tomás   nos   presentó a dos hombres que ese mismo día habían llegado para incorporarse a nuestra tropa de rebeldes. Ambos eran   extranjeros, el más joven era venezolano,   no recuerdo su nombre.

El otro era Henry   Fuerte de Antón, ciudadano   argelino. Comencé a preguntarles   por qué querían participar en nuestra lucha y por   medio de quién habían conseguido   llegar hasta allí.

Me contaron que habían llegado a Cuba en un barco desde Venezuela,    que siempre llegaba   al puerto de Casilda para cargar   tejas trinitarias, pero que ellos no conocían a nadie en aquella ciudad.

Tomás Serquera me contó que unos amigos de Piro Guinart   los había llevado   hasta su casa. Pero nadie que encontrara a unos extranjeros en la calle sin conocerlos, los hubiera   llevado hasta allí, por lo tanto   tendrían que quedarse con nosotros hasta que lográramos investigar más sobre ellos.

Poco después supimos que el venezolano era hijo único de una mujer política de izquierda de su país, la cual movilizó mar y tierra para sacarlo del peligro. Esas gestiones   se realizaron a través de gente nuestra de la ciudad de Santa Clara.   El joven regresó a Venezuela   por los ruegos de su madre.

El Argelino tenía entrenamiento militar, pero nadie lo conocía, sólo se sabía de él lo que contaba de sí mismo, pero   yo no tenía forma de verificar si era cierto.   Hablaba el español como si fuera su lengua   materna, el francés y el árabe.   Según él, había sido soldado del ejército francés, guerrillero en Argelia,   marino mercante y posteriormente había vivido en Haití.

Aspiraba a que cuando terminara la lucha en Cuba, organizar   una expedición para derrotar a la dictadura haitiana de Duvalier.

Se le dio al argelino la responsabilidad   de entrenar   en el manejo de las armas y en la disciplina militar a varios cientos de soldados rebeldes desarmados,   en un lugar llamado Los Hornos. Realmente   tenía grandes conocimientos en el manejo de las armas.
Aquella tropa instalaba teléfonos rústicos de maniguetas, a través de varios kilómetros, reparaba caminos y construía    trincheras.
El primero de enero de 1959, El Argelino, se alejó de la vista de los hombres del Segundo Frente del Escambray, ya que   mantenía una discreta relación con el Ché Guevara. El 14 de agosto de 1959   desembarcó   escoltado por la fragata Máximo Gómez   en la   costa de Haití, por un lugar de nombre   Les Irois, al frente de   una expedición   compuesta por   33 hombres: cubanos haitianos y venezolanos.   El 20 de agosto    cayeron   en una emboscada donde murieron la mayor parte de ellos.   Unos pocos fueron tomados   prisioneros y varios fueron fusilados. Ese fue el final de El Argelino.

Hasta donde yo tengo entendido, este grupo fue el último después de las tres   expediciones a la República Dominicana.

Si se hubiera tenido éxito   en   crear   en Haití una resistencia guerrillera, Trujillo se hubiera visto obligado a   desplegar efectivos militares en la frontera haitiana. Por lo cual El Chivo no hubiera podido   utilizarlas en la represión en el resto el país.
La expedición a Haití formó   parte de la misma operación militar contra el régimen de   la República Dominicana.
Exactamente dos meses antes, el 14 de junio,  el dominicano Jiménez Moya y Delio Gómez Ochoa,   comandante del Ejército Rebelde llegaron a la Española en un avión de transporte. Aterrizaron por sorpresa en la   pista aérea de Constanza   que contaba con muy poca defensa,   al frente de 54 hombres. Hubo un desembarco con cien hombres a mediados de julio en   Maimón, mientras que   en     Estero Hondo desembarcaron otros 50 hombres.
Fuerzas combinadas   de la aviación, la marina y el ejército dominicano, más varios cientos de mercenarios y militares europeos, que formaban una fuerza destinada para un inmediato ataque contra la revolución cubana, tomaron parte en las operaciones de  persecución y destrucción de las guerrillas revolucionarias contra Leonidas Trujillo.
El presidente de Venezuela Rómulo Betancourt financió gran parte de los costos de todas esas expediciones. Mientras que   el ex presidente   Carlos Andrés Pérez, se encontraba en Cuba supervisando esas actividades bajo el pseudónimo de   Santiago.
Como represalia, los hombres de Trujillo   lograron poner una carga explosiva en una calle de Caracas, que estalló por control remoto, lo que   provocó heridas en ambas manos al   presidente Betancourt.

Del primero de enero de 1959 hasta julio del 1961, sucedieron varios cambios políticos en el Caribe. Trujillo de forma surrealista giró hacia la izquierda al legalizar el Partido Socialista Popular (P.S.P.), el cual llevaba el mismo nombre que el Partido Comunista Cubano. También   permitió el regreso de los exiliados dominicanos del Partido Comunista que se encontraban en Cuba. En aquellos días el gobierno de los Estados Unidos presionaba a Trujillo para que facilitara la democratización de    la República Dominicana. El Chivo, de hombre de confianza de los U.S.A. pasó a ser   su enemigo. Al mismo tiempo Juan Domingo Perón estableció relaciones con su   paisano Ernesto   (Ché) Guevara de la Serna.
En La Habana el 14 de marzo de 1961 fueron   fusilados en La Cabaña, los comandantes del Segundo Frente del Escambray William Morgan y Jesús Carrera. El 30 de mayo de 1961 murió Trujillo debido a   un atentado.   El día 9 de junio de 1961 Delio Gómez Ochoa fue liberado, dejando en la historia del Caribe un agujero   negro, difícil de comprender”. Roger Redondo.
Te envío un gran abrazo, deseándote una muy Feliz Navidad en unión de tus seres queridos.
Félix José Hernández.

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El brasero islámico del Instituto Valencia de Don Juan

23. Diciembre 2011 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas museables

Brasero islámico procedente del Instituto Valencia de Don Juan (Madrid).

Cubamatinal/ París, 20 de diciembre de 2011.

Querida Ofelia:

El Ministerio de Cultura de España , a través del Instituto del Patrimonio Cultural ha restaurado un brasero perteneciente a la colección de arte islámico del Instituto Valencia de Don Juan (Madrid), que puede contemplarse desde el 15 de diciembre en el Museo Arqueológico Regional de la Comunidad de Madrid, en Alcalá de Henares. En esta exposición se analiza el tránsito entre la sociedad visigótica y la andalusí, precipitado hace 1300 años por la batalla de Guadalete (ocurrida en el 711).

El brasero de cobre, realizado mediante la técnica de repujado, fue sometido en el IPCE a una limpieza mecánica, seguida de otra química, que eliminó los restos terrosos, así como algunos focos de cloruros. El anverso del platillo estaba cubierto de una capa espesa de resina que fue también retirada al descartarse que fuera de época. Con el fin de prevenir la corrosión, se impregnó el brasero con un compuesto químico denominado benzotriazol disuelto en etanol.

Dos de los tres pies sobre los que descansa el brasero presentaban sendas picaduras que fueron selladas con óxido de plata, tratamiento que también se empleó para obturar los numerosos focos de cloruros que se encontraron tras la limpieza. Asimismo, una de las patas fue objeto de reintegración en la parte de unión al platillo. Para ello, y también para cerrar una de las arandelas del brasero, se utilizó un tipo de resina transparente que luego se coloreó con un barniz específico de restauración.

El Instituto Valencia de Don Juan sitúa el origen del brasero en el siglo X, a la vez que lo cataloga como de estilo califal, desarrollado en al-Ándalus hasta comienzos del siglo XI. Sin embargo, algunos expertos sostienen que se trata de un brasero de procedencia medio-oriental que dataría de finales de la Edad Media.

Un gran abrazo desde La Ciudad Luz,

Félix José Hernández.

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Canale Mussolini

17. Diciembre 2011 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas literarias

Cubamatinal/ París, 12 de diciembre de 2011.

Querida Ofelia:

Canale Mussolini es la piedra angular sobre la que destaca la recuperación de las Ciénagas de Pontinas. Recuerda el plan del Líder Máximo cubano para convertir en tierras fértiles a la Ciénaga de Zapata.   En esa nueva tierra recuperada por ambiciosos programas del Duce, se instalaron miles de familias que llegaban desde el norte.

Entre ellos se encuentran los Peruzzi, héroes de esta extraordinaria saga. Para convencerlos para que bajaran a las llanuras, sirvió   el carisma y el coraje del tío Pericles. Trasladó con él a sus viejos padres, los hermanos y las nueras. A continuación, a la   abuela dulce pero inflexible y al vanidoso Adelchi, caracterizado por mandar en lugar de trabajar. Armida, la esposa de Pericle, es la más bella, la más generosa, la más extraña, quizás una bruja. El libro es un poema magnífico, escrito con mucho talento. Es una de esas grandes narraciones de la literatura contemporánea italiana, donde se entrelazan las « pequeñas » historias dramáticas y sorprendentes de sus protagonistas, campesinos pobres y explotados sin misericordia, con las grandes y difíciles, de medio siglo de historia italiana bajo la funesta sombra del fascismo.
Antonio Pennacchi nació en Latina en 1950, fue obrero durante los primeros 50 años de su vida. Ha publicado varias novelas, entre ellas: “Mammoth” (2011), “Il fasciocomunista” (2003) Premio Napoli, que fue llevada al cine con el título de “Mio fratello é figlio unico”. Escribió los cuentos de “Shaw 150”; “Storie di fabbrica e dintorni” (2006). Es autor de “Le iene del Circeo” (2010), “Fascio e martello”, “Viaggio per le città del Duce” (2008). Actualmente colabora con “Limes”.
Le doy mis más sinceras gracias a mi gran amiga italiana María Teresa, por este bello regalo. Al leerlo uno puede constatar las similitudes entre la vida cotidiana en la Italia fascista y lo que vivimos los cubanos bajo el comunismo.
Un gran abrazo desde La Ciudad Luz con gran cariño y simpatía,
Félix José Hernández.
Canale Mussolini

Arnoldo Mondadori Editore, 2010.

460 páginas

ISBN: 978-88-6621-008-5

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Se le niega la nacionalidad francesa a Hernando Calvo Ospina

14. Diciembre 2011 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas de un pataleo

Hernando Calvo Ospina

Cubamatinal/ París, 12 de diciembre de 2011.

 

Querida Ofelia:

 

El periódico de izquierda Rebelión publicó hoy un amplio artículo sobre la denegación de la nacionalidad francesa al periodista colombiano Hernando Calvo, firmado por Santiago Alba Rico.

Rebelión reproduce el documento original y la traducción del importante documento.

TEXTO EN ESPAÑOL DEL DOCUMENTO DE DENEGACIÓN DE LA NACIONALIDAD:
“Ministerio del interior

Rezé, el 22 de septiembre 2011
Señor,
Usted ha presentado una petición para adquirir la nacionalidad francesa. Después de haber examinado su dossier de naturalización, he decidido rechazar su petición, en aplicación del artículo 49 del decreto n°93.1362 del 30 de diciembre 1993.
En efecto, resalta de los elementos de su dossier que Ud. mantiene relaciones con la representación diplomática cubana en Paris, y por otra parte, con las Fuerzas armadas revolucionarias de Colombia (FARC). Por esas dos razones, hace parte desde 2009 de una lista americana de personas a quienes se les prohíbe sobrevolar el espacio aéreo de EEUU.
Por otro lado, Ud. reivindica las declaraciones virulentas que ha sostenido contra Francia. En 2003, ha escrito en un cotidiano cubano que “la diplomacia francesa juega con candela”, criticando seriamente la política extranjera de Francia en su alineamiento sobre las medidas de retorsión tomadas por la Unión europea hacia el régimen castrista.

Observo que Ud. reconoce sus relaciones con la legación cubana en Paris, su afinidad con la ideología castrista, e igualmente su sensibilidad respeto al combate proseguido por las FARC, algunos de cuyos miembros ha encontrado Ud. con ocasión de sus actividades de periodista, grupo calificado de terrorista por la posición común del Consejo de la Unión europea 2001/931/PESC, actualizada por última vez el 13 de julio del 2010.

Dadas las relaciones que Ud. mantiene con la representación diplomática de un país extranjero y su proximidad con un grupo calificado de terrorista, su lealtad hacia nuestro país y sus instituciones no está comprobada. En consecuencia, no me parece oportuno otorgarle el favor que solicita”.

El artículo de Rebelión concluye: «“La noticia del rechazo a la concesión de la nacionalidad francesa a Hernando Calvo Ospina ha provocado la inmediata protesta y solidaridad de sus compañeros de Le Monde Diplomatique, de la editorial francesa donde publica sus libros ( Les temps de cerises ) y de la Asociación Francia-Cuba. Esta decisión del gobierno francés es, sin duda, un signo pequeño, pero las flechas también son pequeñas y, bien dirigidas, hieren y matan”.

Y así van las cosas por estos lares.
Un gran abrazo desde La Ciudad Luz,

Félix José Hernández.

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Monologue y Five Sisters en el Museo Reina Sofía

14. Diciembre 2011 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas

‘Five Sisters’, 2011, Guy de Cointet. Violeta Sanchez, Einat Tuchman, Adva Zakai, Veridiana Zurita. Vestuario: moniquevanheist. Fotografía: Sal Kroonenberg. © If I Can’t Dance, Amsterdam

Cubamatinal/ París, 10 de diciembre de 2011.

Querida Ofelia:

 

La obra de Guy de Cointet (París, 1934-Los Ángeles, 1983) parte del hermetismo del lenguaje y de la capacidad del arte para inventar sistemas de representación entre el juego y la lógica. Frente al cubo blanco como lugar de exposición, sus piezas se suceden en un territorio ambiguo y fronterizo, entre el museo y el espacio escenográfico del teatro.

Guy de Cointet es esencial para entender la relectura de Marcel Duchamp en el contexto norteamericano de los sesenta, así como la impronta de Raymond Roussel en las neovanguardias norteamericanas, de la cual fue responsable. Artista de artistas, Cointet es también un punto de inflexión para el arte conceptual de la Costa Oeste californiana, referente para Allen Ruppersberg o los primeros Mike Kelley y Paul McCarthy, y una de las claves para entender artistas actuales que parten de las prácticas performativas basadas en la narración, como Dora García, Catherine Sullivan o Julien Bismuth.
Esta representación de dos de sus obras, con ocasión de la exposición Locus Solus. Impresiones de Raymond Roussel , es una ocasión única para ver la obra de Guy de Cointet en el contexto en que fue pensada, entre el teatro y el museo. Representadas por la compañía holandesa If I can’t dance , responden a un largo proceso de investigación en torno a la complejidad de la reescenificación.

Monologue (1982).

Esta pieza es una sucesión de referencias aparentemente cotidianas, con diferentes estados de ánimo, en un lenguaje inventado por el artista. Concepto de la obra y texto: Guy de Cointet. Intérprete: Jane Zingale.
Five Sisters (1982)
En un trasunto del cubo blanco, sucede el encuentro de cinco hermanas quienes, con una sensibilidad exagerada y camp , muestran en sus diálogos la transición de la contracultura al pop en un ambiente donde el culto al cuerpo y el mercado de los nuevos modos de vida avanzan el nuevo escenario de los 80.
Concepto de la obra y texto: Guy de Cointet.Diseño de luz y sonido: Eric Orr. Director: Jane Zingale. Dramaturgia: Marie de Brugerolle. Asistente de director: Vivian Ziherl. Intérpretes: Violeta Sanchez, Einat Tuchman, Adva Zakai, Veridiana Zurita. Luz y sonido: Elizabeth Orr. Vesturario: moniquevanheist. Publicación: Will Holder. Comisaria: Frédérique Bergholtz.

Guy de Cointet(París, 1934 - Los Ángeles, 1983), se trasladó de París a Nueva York en 1965 y después a Los Ángeles en 1968. Desde la década de los sesenta hasta su prematura muerte en 1983, este artista de origen francés fue un influyente personaje en la escena artística de Los Ángeles. Sus representaciones son paisajes lingüísticos en los que los acontecimientos cotidianos están vinculados a determinados objetos, colores y letras. Como francés residente en los EE.UU., Cointet fue un perfecto observador de la sociedad del entretenimiento. Sus obras son un puzzle literario inspirado en la obra de Raymond Roussel y los tropos de las soap operas norteamericanas. En su trabajo investigó las fronteras entre lo elevado y lo bajo, la performance y la escultura, el teatro y la vida cotidiana. Five Sisters es la última obra que fue puesta en escena durante la vida de Cointet y marca un alejamiento de su anterior trabajo con la atención a la luz como el principal catalizador de la emoción. En ella, colaboró con el escultor Eric Orr que creó la iluminación, la escenografía y parte del sonido, y con el músico José Martillo.

Un gran abrazo desde La Ciudad Luz, que en estos momentos luce sus mejores galas, en un derroche de consumo desenfrenado, para celebrar el nacimiento del que vivió entre los más pobres de la tierra.

Francia está pasando por una crisis económica gigantesca, en la que unas diez millones de personas logran llegar a fines de mes, sólo gracias a las diferentes ayudas estatales o de grupos caritativos laicos y religiosos.

Félix José Hernández.

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Cuba y Francia “comparten las mismas pasiones por la soberanía y la independencia nacionales”.

13. Diciembre 2011 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas de las aberraciones “democráticas”

Monsieur Pierre Lellouch

Cubamatinal/ París, 10 de diciembre de 2011.

Querida Ofelia:

Los gobiernos de Francia y Cuba   acordaron avanzar a una fase superior en materia de cooperación económica, pues sus relaciones ” no están a la altura quedeberían estar”, anunció este viernes en La Habana el secretario de Estado francés de Comercio Exterior, Monsieur Pierre Lellouche.

Los sectores agroalimentario, transportes, energía, turismo y saneamiento de aguas estarán entre los privilegiados para crear empresas mixtas y lograr una estrecha cooperación entre los dos países, explicó Monsieur Pierre Lellouche al término de una visita de dos días a Cuba, informó la A.F.P.

Una delegación cubana irá en enero a La Ciudad Luz para saldar la situación financiera entre los dos países, en el marco de créditos a la exportación otorgados por COFACE, la entidad estatal gala que asegura los créditos de los exportadores, indicó el funcionario.
El objetivo es elevar el intercambio comercial entre los dos países de 150 millones de euros en 2011 a 250 millones en 2012, y “continuar desarrollándolo mediante la definición de proyectos estructurales”, declaró Monsieur Pierre Lellouche.   La visita del secretario de Estado galo a Cuba es la primera de ese nivel en los últimos nueve años.
Varias delegaciones francesas serán enviadas a Cuba para trabajar en la formación de empresas mixtas, en el marco de la “actualización” del modelo económico impulsada por el dictador cubano Raúl Castro, que contempla la ampliación de la iniciativa privada en la Isla.
Una misión de la patronal francesa Medef está igualmente prevista para marzo, dijo el funcionario, quien destacó la ausencia de “todo problema político” entre Cuba y Francia, que “comparten las mismas pasiones por la soberanía y la independencia nacionales”.
Realmente, no sé si Monsieur Pierre Lellouche vive en el mismo país que yo, o quizás haya hecho   esas declaraciones en medio de una indigestión de langostas, pues la Libertad y la Democracia que existen en Francia, están a años luz del despótico régimen de los hermanos Castro. Pero como dijo Vladimir Ilich Ulianov Lenin: “los capitalistas son capaces de vendernos hasta la soga para ahorcarlos”. También en Francia hay una célebre expresión que te dejo interpretar: “el dinero no tiene olor”.

Un gran abrazo desde la Ciudad Luz, donde gracias a Dios se goza de la Libertad más absoluta.

Félix José Hernández.

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Le “Bonheur” au Lido de Paris

8. Diciembre 2011 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas desde París

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Cubamatinal/ Paris le 4 décembre 2011.

 

Au Lido, le “Bonheur” est de la revue! De la nouvelle revue qui brûle les planches du plus célèbre cabaret du monde où “Bonheur” est à l’affiche !
Le Lido est comme un grand navire ancré sur les Champs-Elysées où s’embarquent, chaque soir, 2000 spectateurs comblés par le luxe des costumes, le rythme du spectacle, la beauté des danseurs, la sophistication des moyens scéniques… l’excellence d’un souper signé Philippe Lacroix. C’est cinq ans de croisière immobile: la revue change tous les cinq ans. C’est une machinerie invisible et silencieuse qui, en coulisses, par des jeux de treuils, plateaux, poulies analogues à ceux des porteavions, permet de changer de tableaux, d’alterner piste de glace et piscine.

Sur le pont : quatre cents membres d’équipage unis, du machiniste à la meneuse, par la même complicité artistique sous la direction de Pierre Rambert, metteur en scène et grand amiral.

Aux commandes: une nouvelle génération d’armateurs. Les jeunes Producteurs Carl et Frank Clerico, héritiers de la tradition qui entérinent la rupture avec le passé pour coller à leur époque. C’est à dire à la nôtre. Troisième millénaire et double impératif. Créer l’émotion et faire impression en lançant, pour la première fois au Lido, le fil rouge d’une seule intrigue qui lie chaque tableau : Une femme à la recherche du bonheur.

“Bonheur” a un prix. 9 millions d’euros dont 3 millions pour les costumes. Et maintenant, place au générique !

Pierre Rambert, directeur artistique du Lido a conçu le spectacle et l’a mis en scène. Pour lui, le music-hall est le carrefour de tous les arts, d’où sa recherche au niveau décor, musique, et éclairage de gens venus de l’opéra, du théâtre et du cinéma. Ce fils d’enseignants, à 12 ans, rêve de danse. A 20 ans, il lâche Normal Sup. pour le Conservatoire National de Musique, apprend la danse avec Boris Kniasseff et Serge Peretti, ce qui lui vaudra d’entrer plus tard dans les ballets de Roland Petit puis au Lido comme danseur principal. Huit ans après, il succède à Miss Bluebell à la direction des ballets et occupe depuis quatre ans la fonction de directeur artistique.

La revue “Bonheur”, Pierre Rambert l’a conçue à partir d’une idée maîtresse qui tient lieu de lien aux quatre tableaux. “J’ai imaginé une femme-oiseau arrivant sur son nuage de plumes d’un rivage où le bonheur n’existe pas. Elle va le découvrir à travers quatre univers : la Femme, Paris, l’Inde et le Cinéma.

Bonheur d’être une femme fatale, une séductrice, une romantique, une amoureuse, une femme fleur… Bonheur de Paris. Ses toits, ses vitrines, ses nuits et ses  « rêvesparty ». Le Bonheur ailleurs, c’est L’Inde et ses légendes. Le Bonheur autrement, la musique et Le Cinéma, lanterne magique qui l’entraîne à la rencontre de Charlie Chaplin, Fellini et Marylin. Avec Cabaret, la boucle est bouclée : les oiseaux du Bonheur ont retrouvé leurs couleurs.

Jean-Claude Petit , compositeur: « Bonheur », c’est 70 musiciens et choristes et 100 heures d’enregistrement. La musique de “Bonheur” rend heureux ! Internationale, elle a l’accent français de ces comédies musicales dont les airs vous trottent en tête longtemps après le rideau retombé. On appelle cela des succès. Légère, pétillante, ébouriffante au final, elle est l’oeuvre du compositeur Jean –Claude Petit qui fit danser les ballets de Roland Petit, signa les succès de Claude François, orchestra de grands films comme Cyrano de Bergerac et Manon des Sources en sachant que chaque séquence doit être minutée.

A travers les quatre tableaux de la revue et les sept chansons de la “meneuse”, Jean-Claude Petit en une heure trente minutes, rythme tout un univers d’émotions: la Femme. Paris. L’Inde. Le Cinéma. “Je rêve en musique. Six mois de travail pour transformer les images en sons, intégrer le rythme américain à la culture française, échantillonner des instruments sur ordinateurs afin de réinventer la musique indienne, revisiter Charles Aznavour et Michel Legrand, prendre à revers les clichés en associant des airs d’hier aux tableaux les plus modernes. Créer sans cesse la surprise.
70 musiciens et choristes et 100 heures de studio, pour enregistrer l’intégralité de la partition du spectacle, qui pendant les représentations est soutenue live par l’orchestre du Lido. Un mois de travail chronométré à la seconde près pour coller aux chorégraphies des 42 Bluebells et des 16 danseurs et de leurs capitaines. Le système numérique le plus performant du monde mobilise 70 enceintes, 25 amplis et 20.000 watts de puissance.

Charlie Harlie Mangel et Arnaud de Segonzac signent les vingt-trois décors. Trois mois de travail pour 150 artisans. Ces maîtres de l’illusion ont des références : deux cent cinquante décors brossés pour les théâtres : la Comédie Française, Mogador, le Palais Royal, ou Marigny. « La revue du Lido impose d’être ingénieux et de créer d’étourdissants changements à vue devant le public qui adore participer au spectacle se demandant comment çà fonctionne ».

Les vingt-trois décors de “Bonheur” impressionnent. La nef d’une cathédrale de lumière, un escalier qui se déploie sur plus de cinq mètres, un jet privé survolant le public pour atterrir sur scène, les toits de Paris et leurs chats, l’avenue Montaigne ouvrant ses vitrines sur un défilé haute couture avant de se transformer en décor industriel de “rêve-party”, un temple hindou aux sculptures vivantes.

Le scénographe doit solliciter l’imagination, donner l’illusion du spectaculaire, jouer du trompe l’oeil pour magnifier les proportions…La machinerie du Lido, son décor tournant, ses trois élévateurs qui font tomber du ciel et remonter dans les cintres, grands escaliers, patinoire ou piscine, les 14 mètres de large d’une scène que prolonge un plateau de 49 m2, multiplient les possibilités de décors panoramiques. Mais le challenge, c’est leur conception technique qui doit permettre le rangement des plus grands décors dans des lieux exigus avant leur déploiement sous les projecteurs.

Au 3° tableau, le temple indien monté sur plateau tournant culmine à 5 mètres, se déplie comme une pyramide mais tient en coulisses dans un espace d’1 m 90. Sur scène, effet magique, effet technique, quatre bras télescopiques transforment quatre statues du temple en danseuses érotiques bien vivantes. 3 minutes 40 secondes d’émerveillement.

“Bonheur”, c’est vingt-trois décors différents dont les changements s’opèrent derrière le rideau au moment des attractions. Comme rien n’est impossible, la technique suit l’idée. Les chevaux bleus et or, noirs et or crachant de l’eau à 8 mètres pour faire jaillir un arc-en-ciel, Pierre Rambert les a rêvés, Charlie Mangel les a conçus et des ateliers spécialisés les ont faits. Le Lido fait travailler trois ateliers. A Paris, les Ateliers Marigny, à Lille, Les Ateliers du Nord qui mettent au service du Lido leur très haute technicité, et à Orange, Artefact. Là, pendant trois mois, cent cinquante menuisiers, tapissiers, sculpteurs, ingénieurs en hydraulique et en électricité… donnent corps à tous les rêves. Impossible n’est pas Lido.

Fabrice Kebour, c’est Monsieur 100.000 watts, concepteur des lumières. Le faiseur d’étincelles et d’effets spéciaux. De l’Opéra Comique aux Arènes de Vérone, en passant par le Théâtre Marigny, l’homme a maîtrisé leur puissance et leurs sortilèges. Or, l’agencement haute technologie du Lido, seul cabaret au monde à pouvoir rivaliser avec Las Vegas, dépasse l’imaginable, autorise l’impensable.

Etat des lieux : Un appareil de projection grandes images de 7000 watts. 90 projecteurs de dernière génération contrôlés par ordinateur. 200 changeurs de couleurs disposant de 32 couleurs par projecteur. 2 lasers de 12 watts alimentant 7 sources laser dont 2 asservis, fabriquées spécialement pour le Lido. 350 projecteurs d’un poids total de 7 tonnes. La console d’éclairage ? Une Wholehog 3, la plus performante du monde. Ajoutez 32 kilomètres de fibre optique, 600 mètres de néon, des dizaines de milliers d’ampoules…

Projection d’images, effets laser faisant disparaître les danseuses, ciel étoilé de fibres optiques, nuée de couleurs en feux d’artifice… la lumière, froide ou chaude, est objets, paysages, symboles, sentiments. Pour suggérer le glacé de la solitude, Fabrice Kebour associe la salle à la scène en actionnant cent cinquante projecteurs automatisés qui givrent les murs de projections cristallines. Quand retentit l’Hymne à l’Amour, une nef de lumière irradiant de l’intérieur créel’éblouissement. Contact ! Et le plexiglas spécialement traité pour absorber la couleur devient matière vivante. L’eau se transforme en arc-en-ciel.

Deux grands chorégraphes travaillent avec Pierre Rambert : d’origine australienne, Craig Revel Horwood a dansé dans “West Side Story”, “Me and my girl”, “La Cage aux Folles”, “Ladies Night” et au Lido. Il a chorégraphié depuis un grand nombre de spectacles à travers le monde dont “Crazy for You”, et “Martin Guerre” et reçu l’Evening Standard Award for Best Musical pour “Spend, Spend, Spend “. Mic Thompson, a été élu, à 15 ans, meilleur danseur Latino aux Etats Unis. A Las Vegas, il a participé à des ballets pour Diana Ross, Jennifer Lopez et Michael Jackson. Il a commencé sa carrière de chorégraphe avec Walt Disney avant de faire danser “Cabaret”, “Footloose“, ou “Sweet Charity“. “Swinging on a Star” lui vaudra d’être nominé pour un NAACP, Best Choregraphy Award.

Le Lido a le plaisir d’accueillir une nouvelle chanteuse et meneuse pour la revue Bonheur. Hollandaise, blonde aux yeux bleus à la silhouette de mannequin, Carien Keizer mène la revue Bonheur au Lido depuis mars 2010. Après la Dance Academy Lucia Martha à Amsterdam, Carien Keizer commence sa carrière et parcours la Hollande, l’Allemagne et l’Autriche. Aux comédies musicales Saturday Night Fever, 42nd Street, Aida, Cats, Hair et Ich War Noch Niemals In NY, s’ajoute à son expérience de nombreuses émissions de télévision. Avec son élégance, son charisme et sa voix « happy pop », Carien Keizer chante en live et emporte avec elle les 70 artistes qui l’accompagnent chaque soir sur la scène du Lido.

Pierre Marchand a rejoint la revue « Bonheur » en mars 2007. Il présente un époustouflant numéro de Diabolos. D’origine française, Pierre a déjà travaillé sur plusieurs scènes internationales avant de s’arrêter pour quelques années sur la scène du Lido.

Housch-Ma-Housch , après l’école du Cirque de Kiev, se spécialise dans le comique. Primé de nombreuses fois dans différents Festival du Cirque, il enchante et amuse les spectateurs du Lido depuis 2010.

Franck Laure , diplômé du Conservatoire d’Art Dramatique présente un incroyable numéro de tissus aériens. Un nouveau langage du corps et de l’étoffe d’une étonnante pureté.

Les patineurs, Lesley Rogers et Franck Levier sont les étoiles de glace dans la grande tradition du Lido.

Dominique Formalhs   règne au Lido sur les cent vingt tonnes de la piscine, les sept chevaux qui crachent l’eau à 10 mètres, le rideau de pluie qui sépare le public de la scène, et permet des projections d’images. A Strasbourg, sous la raison sociale d ‘Aquatique Show International, il est Neptune. Depuis quinze ans, ce spécialiste en spectacles d’eau – écrans d’eau, geysers, brouillards, orgues aquatiques – fait la pluie et le beau temps pour Walt Disney, Las Vegas, le Futuroscope de Poitiers. Quinze ans qu’il oeuvre pour le Lido dont il assure cette année la vingt-sixième revue avec un rideau de pluie qui tient lieu de rideau de scène et peut devenir opaque ou transparent selon les lumières. Un bassin en soussol lui permet d’alimenter 12.000 points d’eau sur 12 mètres de long. La Piscine ?

C’est 80.000 litres, soit cent vingt tonnes, stockés sous le public et déplacés par ascenseur pour arriver au niveau de la scène au moment du show. Dans le tableau indien, sept têtes de chevaux crachent de l’eau à 8 mètres sans qu’une seule goutte ne tombe à côté du bassin. Eclairés sur toute leur longueur, chaque jet fend l’espace en un jaillis-sement de lumière colorée.

Dominique Lebourges : de ses ateliers - Artefact à Orange – sont sortis les décors les plus en vue du show bizz. Celui du show de Johnny Hallyday, ceux des Opéra Bastille, Garnier et Monte Carlo, des comédies musicales comme Roméo et Juliette et Les Demoiselles de Rochefort au Palais des Congrès. Au Lido, dans la revue Bonheur, la magie indienne, c’est lui ! Mettre en scène un temple indien, qu’on puisse replier sur 2 mètres d’envergure pour le ranger en coulisses, exige une grosse étude mécanisée. Six personnes ont planché sur sa construction et sont parvenues à conjuguer déploiement et repliement dans une harmonie parfaite. Fabriquer des chevaux cracheurs d’eau qui aient l’air plus vrais que nature n’a pas été une mince affaire. Pour que les sept têtes puissent bouger, il a fallu trouver l’impossible : des matériaux souples qui donnent l’illusion du réel.

Quant aux prestigieux Ateliers du Nord, ils mettent au service de la revue leur maîtrise technique et artistique, et les Ateliers Marigny apportent la sophistication et le raffinement de leurs réalisations.

Des robes dans la tradition de la haute couture comme pour un défilé Dior ou Chanel ! Des chapeaux - chefs-d’oeuvre à la Cecil Beaton, les plumes de Chanteclerc dans le panache des femmes -oiseaux, des broderies main à fleur de peau pour les six cents costumes de la revue la plus magnifiquement déshabillée du monde: la revue Bonheur qui entre en scène en décembre 2003.

Le Lido n’en est pas à une contradiction près. Nu élégantissime et costumes somptueux. Pour femmes fatales, femmes -fleurs et femmes-chats, femmes-araignées et femmes-bijoux, maharanés, déesses, danseuses sacrées et sacrées stars en hommage au cinéma. A Chaplin, Fellini, Marilyn,… Mieux qu’un spectacle, tout un voyage d’émotions qui accrochent la lumière et le rêve.

Débauche de luxe et d’effets spéciaux sous les 100.000 volts des projecteurs. Les éventails de plumes se déplient sur 1 m 85 d’envergure. La divine Diva descend d’avion sous un ciel étoilé de mille fibres optiques. Les toits de Paris sont livrés aux chats, ses vitrines à un défilé “couture”.

Hommage à l’Inde, le 3° tableau - 15 minutes 55 de magie -, voit se succéder, un temple qui tourne sur lui-même, un palais, un cheval à sept têtes qui crachent l’eau d’où naît l’arc - en - ciel, un bassin aux fleurs de lotus. Plein les yeux et bonheur total!

Tous les cinq ans, le Lido change de spectacle. Après la magie, le “Bonheur”. Pour sa 26° revue, la première du 3 ème millénaire, place aux plus grands. A l’affiche Hippolyte et Yann Romain qui succèdent à René Gruau. Jean-Claude Petit a composé la musique. Fabrice Kebour dompté les lumières. Les grands du théâtre - Charlie Mangel et Arnaud de Segonzac - ont inventé les décors.

Pour allumer des étoiles dans les yeux des spectateurs, le Lido a fait appel aux plus grands artisans du costume et aux fournisseurs de la haute couture. Edwin Piekny, ancien danseur du Lido, a dessiné tous les costumes du spectacle. Un an et demi pour mettre au point 140 maquettes. Trois millions d’euros de budget pour réaliser les 600 costumes dans la tradition du Lido - élégance et magnificence - que Carl et Frank Clerico, les nouveaux PDG du Lido, héritiers d’une grande dynastie, ont souhaité encore surpasser.

A travers les quatre tableaux qui composent la revue – La Femme, Paris, L’Inde, Le Cinéma - les 600 costumes d’Edwin Piekny ajoutent à l’heure éblouissante d’une belle histoire imaginée, conçue et mise en scène par Pierre Rambert. L’histoire d’une héroïne incarnée par la meneuse Sabine Hettlich, qui cherche la clé du bonheur et la trouve. Dans l’Amour. Quand on aime, on ne compte pas. Le Lido n’a pas compté. Budget colossal. Le somptueux manteau du final en autruche et marabout blanc bleu, qui s’ouvre sur le corps nu souligné d’or de la danseuse principale, dépasse 18.000 euros.

Pour “L’Hymne à l’Amour” où dix-huit danseuses symbolisent, chacune, une fleur différente - rose, iris, arum, pavot, camélia, orchidée… les six minutes trente de bonheur du tableau atteignent le coût himalayen de 116.000 euros. Chaque costume en vaut 12.000.

Dessiner pour le Lido vous dira Edwin Piekny est un régal. « On habille des corps divins en suivant deux règles d’or. Exagérer les proportions en accentuant la longueur des jambes (la scène rétrécit les effets) et ressusciter l’élégance somptuaire des grandes années du music - hall dont le public a gardé la nostalgie ».

Mine Barral Vergès , costumière : « L’important c’est le string ; C’est lui qui supporte tout le poids du costume, des broderies et des plumes. Le tout peut atteindre jusqu’à 20 kilos ». Elle est la grande dame du music - hall. Celle qui créa les costumes de scène de Joséphine Baker, Barbara et Dalida. Depuis 30 ans, avec douze ouvrières à l’année, elle habille le Lido. A part les collants résille et les costumes d’hommes réalisés à Rome par Gabriele Pacchia , les 400 costumes des Bluebells sortent de son atelier du Palais Royal. Ne pas s’étonner si la revue a le style couture : elle a travaillé avec les plus grands comme ThierryMugler . D’où, le glamour du 2éme tableau qui met Paris en scène avec un vrai défilé de mode inspiré par les collections, les couvertures de magazines et, Paris coquin oblige, dans le 1er tableau, la volupté piquante des dentelles, des bas noirs et des porte-jarretelles revus et corrigés pour la scène!

Comme Mine Verges centralise le travail de tous les intervenants, son atelier est un caravansérail de sophistications croulant sous les plumes, les fleurs, les broderies, les stretchs, les bayadères et les imprimés Renaissance, les cuirs de chats sauvages, les mousselines pailletées sur indémaillable couleur de “chair” pour faire scintiller les peaux nues. Mais, pour Mine, le rôle le plus important d’une revue est tenu par le string. Ce triangle de quelques centimètres de toile surpiquée doit être assez costaud pour servir de base et d’appui aux dizaines de kilos de plumes et de broderies dont tout le poids repose sur les hanches. A chaque costume, son string taillé au millimètre près!

De la ville à la scène, François Lesage qui griffe les grands soirs de Dior ou Chanel, a brodé pour la meneuse sept robes – bijoux. La base, un tulle stretch couleur “chair” plus ou moins ambrée qui donne le sentiment de nudité brodée.
Créées pour enflammer la scène, ces sept robes de mille et huit cents nuits – la revue est partie pour cinq ans, faites vos comptes – sont éblouissantes. L’une est un incendie de paillettes feu et flamme, de cailloux et de cristaux sur un tulle dégradé de l’orange au rubis. Une autre s’orfèvre de cristal et micro diamants qui réfractent la lumière dans un effet de miroirs brisés. Couleur de peau, un maillot plus nu que nu scintille de volutes et de courbes d’or qui soulignent la courbe des hanches et la rondeur des seins.

La broderie, révélateur de la nudité, allume le corps d’incandescences. Frangé d’éclats percés et de pampilles de cristal, un fourreau vert émeraude a exigé 400 heures de broderie. Une robe de lumière orfévrée de cristal totalise 1500 heures de broderies. Soit 150.000 paillettes, 50 mille tubes irisés et 4000 éclats percés. Dans une maison de couture, une telle robe serait facturée 45.000 euros.

Hommage au cinéma, le pull “Marilyn “ dont la photo en gros plan apparaît brodée de transparences sur fond de jais et diamants. Hommage à l’Inde, les danseuses indiennes en costumes, brodés par Caroline Valentin , dont les galons précieux sont orfévrés de pierreries fixées une à une à la main.
“Broder, dit François Lesage, c’est écrire son rêve avec une aiguille, avec une perle, avec tout ce qui peut enchanter”. Au Lido, rehaussé par les lumières, l’enchantement est total. Auquel participent aussi les deux maîtres es-broderies, Vermont et Carel.
La mode au pays des merveilles pour le tableau “L’Hymne à l’Amour” ! Soit six minutes trente de romantisme absolu dans le décor d’une cathédrale de lumière dont les icônes - les Bluebells – ont la tête en fleur. Coiffées chacune d’une variété différente. Rose, camélia, orchidée, iris, pavot, arum, azalée, pensée, jonquille et aster, pervenche et lys. Géant, chaque chapeau – 90 centimètres d’envergure – a exigé l’intervention de cinq corps de métier : une aquarelliste qui a peint l’étoffe ( Genève Cotte ), une brodeuse ( Caroline Valentin ), un bijoutier ( Pierre Annez ), un sculpteur ( Michel Carel ) chargé de la structure, et Maryse Roussel qui les a créés. Pour Maryse, chaque fleur c’est deux semaines de travail…
Réalisés selon les traditions, de vrais chapeaux - feutres, bicornes, toques, hauts de forme –sont aussi de la revue. Quand on est modiste comme Laurence Binet et Caroline Mondon qui travaillent pour “Michel”, coiffer un spectacle entraîne à des obligations. “Le chapeau de scène doit se voir de loin. Se poser vite. Etre monté, quelle que soit sa forme sur une calotte en toile de jute que l’on enfile comme un casque et sur laquelle, pour faciliter les changements de costumes, les boucles d’oreilles sont définitivement fixées”.

On l’appelle Eric . Son nom est Charles Donatien . Sa maison c’est Lemarié dont l’atelier, célèbre depuis plus d’un siècle, travaille les fleurs et les plumes pour toute la haute couture. Au Lido, Eric jongle avec le coq, l’oie, le vautour, l’autruche jusqu’à donner des ailes d’1m50 d’envergure à la meneuse. Des ailes d’un blanc d’ivoire touché de nacre rose et ciel : 500 plumes d’oie découpées et recollées à la main, plus 500 vautours oxygénés et pour le frisson visuel 30 autruches blanches. Si le manteau du final en autruche blanche (200 heures de travail) a le reflet bleuté d’un diamant, ce n’est pas une question de lumière, il est infiltré de marabout de trois tons de bleus différents.

Lemarié, créateur des fameux camélias Chanel, fait aussi la fleur. Découpée, peinte à la main, laitonnée, chacune demande plusieurs heures de travail avant d’éclore en épaulettes de pivoines ou en cent boutons de roses sur la robe de tulle de “L’Hymne à l’Amour”.

Enfin, dans la grande tradition du cabaret, la maison Février, spécialiste de la plume, habille les Oiseaux du Bonheur du premier tableau, tandis que John Swift et André Kemp signent l’ébouriffant final en noir et bleu.

Si l’Angleterre a encore des perruquiers, en France le métier a disparu. LindaMc Knight coiffe toute la revue, les Bluebells et les danseurs. C’est elle qui a réalisé les masques de chats, chats-voyoux et chattes-chics, les coiffures des stars mythiques - Charlie Chaplin, Marylin Monroe – et hommage à Fellini, celles des personnages de La Strada.

Pour Antoine Clairvoy bottier du Lido depuis 40 ans, la chaussure est d’abord un instrument de travail. Une revue, c’est 500 paires de chaussures. 15 modèles livrés chacun en 35 exemplaires mis au point sur formes par Antoine Clairvoy qui, depuis quarante ans, vit aux pieds des Bluebells. La pointure 40 est son ordinaire. « Pour une danseuse, l’important c’est le double cambrion d’acier, l’un invisible, l’autre vissé sous la semelle pour assurer au soulier sa stabilité. Pour éviter les déra-pages, toutes les semelles sont montées sous caoutchouc strié anti gliss ». Le pied n’est jamais nu. Contrefort obligatoire. Pour allonger la jambe, cuir chair en trompe l’oeil couleur du collant résille. Talons costauds de 7 à 8 centimètres. Trompe l’oeil aussi les faux-laçages des cuissardes si sophistiquées que leur prix de revient atteint 1000 euros. Multipliez le chiffre par 18 et imaginez la facture ! Délit d’initié : confrontés à la taille des danseuses qui mesurent 1m75 minimum, certains boys, même lorsqu’ils font 1m83 (hauteur réglementaire), commandent des chaussures avec liège intérieur les rehaussant de 2,5 cm.
Le bijou, c’est toute la magie du Lido: 60.000 pierres en scène. Pour les Bluebells dont les bijoux sont faits à la main par Pierre Annez , “Bonheur” c’est 180 paires de boucles d’oreilles, 164 bracelets, 47 colliers, 40 broches, 89 ornements de souliers, 72 brassards scintillants et six bodies – bijoux sertis, du cou jusqu’à la pointe des pieds, de 36.000 cristaux. Marina Gendre sait toute la magie de l’Orient. Elle règne sur le troisième tableau de la revue consacré à l’Inde, au temple de la déesse Shiva, à la légende du cheval blanc à sept têtes. Pour les danseuses sacrées, elle a ciselé trois cents parures composées de 150.000 perles, de fleurs de lotus, de pierres multicolores dans l’esprit Cartier au temps des maharadjahs. Chaque danseuse, c’est six colliers, six bracelets reliés les uns aux autres du poignet à l’épaule. Un travail qui exige un montage solide, des fermoirs costauds à gros anneaux pour aller vite, des colliers dont certaines perles sont écrasées sur le fil pour retenir les autres en cas de rupture. Vingt joncs doivent pouvoir s’enfiler d’un geste. Pour le tableau “Arc - en - ciel” où quinze danseuses ont les jambes, les bras, le dos embijoutés sous huit rangs de colliers, il a fallu 42.900 perles.
Félix José Hernández.

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Editado en España “Apuntes de Viaje”

4. Diciembre 2011 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Nueva edición

Cubamatinal/ París, 2 de diciembre de 2011.

 

Querida Ofelia,

 

Acaba de ser editado en España mi décimo segundo libro de crónicas con   el título de Apuntes de Viaje. Durante algunos días podrás encontrarlo y descargar gratis la versión para internet en la siguiente dirección:  http://www.eu93.net/Rincon-del-mas-alla.htm .

Basta pinchar en la portada del libro para abrirlo, aunque se demora un poco pues contiene 103 crónicas escritas en español y francés, en   350 páginas. Su realización ha sido posible gracias al trabajo llevado a cabo por el Taller-Escuela de la Asociación Federada Interregional Sociocultural.”EUROPA’93”, (AFISc. eu’93) , en las Islas Canarias.

También lo podrás encontrar dentro de poco en http://cubamatinal.es/cartas-a-ofelia-libros y en mi sitio web www.cartasaofelia.com

Deseo darle las gracias a   Ivane,   discapacitado   de 12 años de edad, que realizó la portada del libro, con una foto que hizo mi sobrino Víctor Manuel Hernández de mi banco preferido, en   la bellísima isla italiana de Ischia.   La Ciudad Luz   e Ischia son   mis lugares preferidos en estas lejanas   tierras allende los mares.

A continuación te reproduzco el prólogo escrito por mi  admirada   amiga Adela Junco :
“Muchos son los que han escrito acerca de sus experiencias, emociones, sentimientos. Impresiones y deseos, esperanzas y tristezas, realidades y fantasías salen de las plumas de quienes sienten una imperiosa necesidad de compartir su mundo interior o exterior, lo que en formas y tiempos diferentes les ha tocado vivir; unas veces fabulando, otras, a través de sus recuerdos y devenir.
Surgen así relatos, novelas, ensayos, críticas, con los más diversos contenidos y opiniones que nos permiten adentrarnos en las vidas de individuos para, a través de sus peripecias y vivencias conocer su propia percepción, dejándonos las más de las veces su impronta, y con ella, su aporte a la ampliación de nuestros horizontes para comprender mejor presente y pasado, y con esa ayuda hacer nuestra propia contribución al futuro.

Sin embargo, no todos los autores han cultivado todos los géneros y temas: solo un selecto grupo de ellos ha sido capaz de regalarnos un extenso quehacer, abarcador, inspirador, inagotable, que toca casi todas las esferas de la actividad humana y por tanto de toda la sociedad.

A este especial conjunto de incansables de la pluma pertenece Félix José Hernández Valdés – profesor, educador, traductor, articulista, columnista, periodista, cronista, historiador, hijo, padre, abuelo, hermano, amigo…

Cartas a Ofelia se constituye en el paneo de una cámara a través de cuyo lente Félix José descubre el mundo a su madre, no solo ofreciéndole detalladamente imágenes del panorama que se abre antes su ávidos ojos y esa curiosidad natural (alguna vez aplastada, contenida por egos y afanes mezquinos en la tierra que lo vio nacer), cualidad innata de observador de todo, de viajero incansable, escudriñador de un mundo durante años escamoteado y descubierto al fin para vivirlo a fondo, sino también haciéndola partícipe de sus impresiones sobre localidades, gentes y aconteceres con una plasticidad pasmosa; llevándola a recorrer museos, calles; sentándola junto a él en teatros, cines; disfrutando paisajes; conduciéndola del brazo a eventos, demostraciones; entablando diálogos y escuchando historias de los más disímiles personajes; leyéndole y compartiendo con ella obras, libros, artículos. Igual le comenta acontecimientos culturales o políticos que noticias de hechos sublimes o deleznables. La invita a rememorar historias de épocas y gentes, de sus años infantiles y las calles que recorrían, así como a recordar a las personas que en algún momento se cruzaron en sus vidas y a personajes a veces ignotos, que desempeñaron no obstante un papel en el giro de nuestras vidas, tal como lo revela uno de sus interlocutores, por él entrevistado, en un pasaje que encontramos en el presente tomo:

“…No fue el gallego Fernández, que de guerra sólo sabía la parte teórica, quien dirigió a las fuerzas comunistas en Playa Girón. Fue Angelito.”

Sus Cartas a Ofelia, título dado a la recopilación de sus artículos que alude a la comunicación con su madre mediante ellas, fueron la semilla e inspiración que crecieron para convertirse en el fructífero árbol del quehacer periodístico que ha extendido sus ramas para llegar a nosotros –y a todo el orbe- en su logrado intento de compartir con muchos y – sin proponérselo- proyectarse hacia el futuro, para entonces servir a aquellos que nos seguirán a descubrir en su momento lo que el autor vivió al disponer ya no solo de pensamientos libres a falta de otra libertad, sino de alas para sobrevolar la Tierra, no fabulando como Münchhausen, sino exponiendo el mundo al mundo como un nuevo Marco Polo.

Con este, el duodécimo tomo de un extenso y prolijo quehacer periodístico-literario, nos adentramos una vez más en una orgía de impresiones: ora recuerdos, ora sucesos actuales, opiniones, relatos de relatos, pasajes variopintos de personajes y obras tamizados por este intérprete ‘quiero-saberlo-todo’ de hechos y lugares conocidos y desconocidos plenos de historia, que, con un impacto directo o sin él inciden de algún modo en el lector. Es asimismo en este bastidor de exposiciones diferentes dentro del mismo marco que Apuntes de Viaje se hace eco de las palabras del también prolijo e inagotable abarcador de épocas Wolfgang von Goethe, ofreciéndonos  ‘el mundo en una nuez’.

Quiero invitar a quienes aun no han transitado por alguno de los 11 tomos precedentes a disfrutar de esta enjundiosa recopilación de reseñas, ensayos, crónicas y relatos atenidos a vivencias reales a través de la lectura amena y estimulante del presente    tomo, que sé no será el último regalo que nos haga a los de hoy y legue a los del futuro Félix José.

El trabajo está presentado en una secuencia de cartas ‘con temas diversos, cuya relación se establece muchas veces tan solo por constituir el eslabón siguiente de la cadena organizada según sus fechas. Dicha avalancha de acontecimientos, gentes e historias de alcance internacional pero que orbita siempre en torno a esa isla del Caribe conocida como la Mayor de las Antillas me hacer recordar las palabras de alguien que pronosticara’… ya habrá quien escriba la epopeya que vive hoy el pueblo cubano‘. Creo firmemente que Félix ha estado publicando desde hace mucho esa epopeya con una perspectiva tal vez no de gesta épica como tal, sino a través del cristal de esta suerte de ‘crónicas epistolares concéntricas a modo de composición fotográfica de una época con proyección internacional y carácter epopéyico’, si se me permite la osadía de este intento de clasificación.

Yo, muy particularmente, considero que esta ingente obra de Félix José Hernández Valdés va siendo ya texto de consulta obligado de aquel que se diga historiador, politólogo, cubanólogo o simplemente interesado en Estudios Cubanos de la segunda mitad del siglo XX hasta nuestros días, en tanto que fuente exhaustiva de información no solo sobre Cuba, su historia y su sufrida gente a ambos lados del Atlántico, sino del marco histórico correspondiente, proyectado en un extenso telón de fondo que arroja luz sobre acontecimientos contemporáneos a la par que sobre el bregar y batallar de las ya 5 generaciones de cubanos que como otros desplazados deambulan por el planeta y en su propio terruño con mucho que compartir con sus coetáneos y futuras generaciones.

Solo espero que el lector se una – al igual que lo hice yo – a este siempre ameno y enriquecedor andar junto a Ofelia de la mano de Félix”. Adela Junco.

Adela Junco.

Licenciada en Lengua Alemana, Profesora de Español, pedagoga, traductora, editora y correctora.

Te   deseo   una Feliz Navidad   llena de: paz, amor, salud, bienestar   y Libertad * , en unión de tus seres queridos y… ¡Qué Dios te bendiga!

Félix José Hernández.

* Como sabes, me es imposible escribir esta bella palabra con minúscula.

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Arquitectura y diseño de Emilio Ambasz

2. Diciembre 2011 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Crónicas

Vista de la fachada verde del Fukuoka Prefectural International Hall.

1990, Fukuoka, Japón

Cubamatinal/ París, 1 de diciembre de 2011.

 

Querida Ofelia:

  

La exposición Emilio Ambasz. Invenciones: arquitectura y diseño , organizada por e Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, da a conocer las principales obras de este arquitecto y diseñador gráfico e industrial, a través de maquetas, objetos, dibujos originales, fotografías y material audiovisual.

Reconocido en el libro de James Wines, Green Architecture , como “precursor de la Arquitectura Verde”, Emilio Ambasz (Argentina, 1943) ha buscado desafiar con su visión de la arquitectura las ideas preconcebidas sobre construcción, proponiendo diseños verdes para hospitales, invernaderos, rascacielos, viviendas, edificios de oficinas o grandes almacenes. “Creo que todo proyecto arquitectónico que no intente proponer nuevos o mejores modos de existencia es poco ético. […] Considero que la tarea del arquitecto consiste en reconciliar nuestra naturaleza artificial con la orgánica que se nos concedió”, explica Ambasz.

La muestra dedica una sala a sus trabajos en arquitectura. Todos ellos están diseñados según una técnica que el propio Ambasz define como “el verde sobre el gris” y que revela su afán por integrar la naturaleza y la edificación en sus diseños arquitectónicos. En este espacio se exponen 36 maquetas de sus principales proyectos en este campo, como: el Center for Applied Computer Research (México D.F., 1975), la Casa de Retiro Espiritual (Sevilla, 1975), la Plaza Mayor (Salamanca, 1982), el Lucille Halsell Conservatory del San Antonio Botanical Center (San Antonio, Texas, 1982), el MycalCultural and Athletic Center (Shin-Sanda, Japón, 1990), el Fukuoka PerfecturalInternational Hall (Fukuoka, Japón, 1990) o el Ospedale dell’Angelo (Venecia-Mestre, Italia, 2008), entre otros.

Además, la exposición Emilio Ambasz. Invenciones: arquitectura y diseño abarca también otras áreas de trabajo de este autor, como el diseño gráfico, el industrial y el de exposiciones. En total, el visitante tiene la oportunidad de descubrir 40 objetos de diseño industrial, 16 trabajos de diseño gráfico, así como dos centenares de fotografías y dibujos. Reconocidas piezas como las sillas Vertebra (1974-75) o Lumb-R (1981), la linterna Polyphemus (1983), la lámpara Logotech (1984), los bolígrafos Flexibol Pens (1985) o la botella Vittel Water Bottle (1985) están presentes en la muestra.

Los diseños de Emilio Ambasz emplean una técnica que el propio autor denomina «el verde sobre el gris», a través de la cual, el autor busca reconciliar el deseo de aprovechamiento que requiere el promotor inmobiliario con la necesidad pública de espacios verdes abiertos. En estos proyectos, la arquitectura y el paisaje consiguen un mayor aprovechamiento del suelo, al tiempo que aportan una amplia zona de jardines públicos interiores y exteriores. “Debemos diseñar un “pacto de reconciliación”en el que tengamos ambos elementos, “el edificio y el jardín” , es decir, el 100% de cada uno, orgánicamente integrados. En dicho concepto, el edificio “devuelve”, en forma de vegetación accesible para la comunidad, la máxima cantidad posible de la tierra que abarca”, aclara Ambasz. Este deseo por “devolver” a la comunidad, en forma de parques y jardines, el equivalente del suelo que abarca la huella del edificio es una de las constantes en la obra de este arquitecto: “Durante los últimos treinta años – explica-, he tratado de encontrar una manera de construir que integre la arquitectura con la naturaleza”.

El diseño del Fukuoka Prefectural International Hall , en Japón, es un claro ejemplo de este estilo urbano e innovador, que satisface ambas necesidades. Su cara norte presenta una elegante fachada urbana, mientras que el lado sur prolonga un parque existente a través de una serie de jardines en terrazas que ascienden hasta la cima del edificio. Este diseño ha hecho indisociables el parque y la construcción: el edificio devuelve a la ciudad la misma tierra que le había arrebatado, y propicia la coexistencia entre una gran estructura urbana y el espacio público abierto.

En su preocupación por conjugar paisaje y arquitectura, Ambasz se centra en muchos de sus proyectos en rasgos como la presencia de la luz, el rumor del agua, la manipulación de la perspectiva y el uso humano del espacio para engendrar sentimientos de esperanza y tranquilidad. “En mi obra siempre he procurado presentar modelos alternativos del futuro, de modo que podamos cambiar el presente. […] Si hay algún punto fuerte en mis ideas arquitectónicas, proviene de que, a mi modo de ver, la arquitectura no solo tiene que ser pragmática sino que debe conmover el corazón”, explica Ambasz.

El Lucille Halsell Conservatory en el San Antonio Botanical Center (Estados Unidos) es un claro ejemplo del uso imaginativo de la tecnología en la obra de este arquitecto. En este innovador proyecto, la tierra sirve de contenedor para las plantas, protegiéndolas de la luz y el calor solar extremos. Las salas de exposiciones se distribuyen alrededor de un patio típico de la arquitectura tradicional de Texas. Las amplias claraboyas, las pirámides inclinadas y los conos de cristal curvo, que sugieren un observatorio cosmológico, emergen de las suaves ondulaciones del terreno, reflejando un cielo siempre cambiante. Para Ambasz, el visitante no es sólo el espectador, sino un participante esencial en la jerarquía paisajística de las experiencias naturales y artificiales.

Emilio Ambasz, nacido en 1943 en Argentina, hoy ciudadano español, estudió Arquitectura en la Princeton University. Ha trabajado como comisario de diseño en el Museum of Modern Art de Nueva York (1970-1976), donde dirigió e instaló numerosas exposiciones sobre arquitectura y diseño industrial. Ha sido presidente de la Architectural League durante dos periodos (1981-1985), y ha impartido clases en la School of Architecture de la Princeton University y, como profesor visitante, en la Hochschule für Gestaltung de Ulm, Alemania.

Entre sus múltiples proyectos destacan el Mycal Cultural and Athletic Center en Shin-Sanda, Japón, que ha recibido el Saflex Design Award del año 2000; el Grand Rapids Art Museum de Michigan, ganador del Progressive Architecture Award de 1976; la Casa de Retiro Espiritual, diseñada en 1975, proyecto ganador del Progressive Architecture Award de 1980, y construida en 2000 en el Ronquillo, Sevilla; y el Lucille Halsell Conservatory en el San Antonio Botanical Center en Texas, en 1988, por el que obtuvo varios premios, entre ellos el reputado Quaternario Award de 1990 por sus notables logros tecnológicos. Posee también numerosas patentes de diseño mecánico e industrial y ha recibido importantes galardones por ello, como el Gold Prize otorgado por el IBD estadounidense en 1977 por su codiseño del sistema de silla Vertebra.

Representó a Estados Unidos en la Bienal de Venecia de 1976. En 1989 tuvo lugar la retrospectiva Emilio Ambasz: architecture , en el Museum of Modern Art de Nueva York, y ese mismo año tuvo lugar en el San Diego Museum of Contemporary Art la exposición itinerante Emilio Ambasz: architecture, exhibition, industrial and graphic design . Otras retrospectivas de su obra se han celebrado en la Tokyo Station Gallery de Japón en 1993, y en el Centro Cultural de Arte Contemporáneo de la Ciudad de México en 1994.

Con motivo de esta exposición, se editará un catálogo en castellano que incluirá textos del propio Emilio Ambasz, así como de Barry Bergdoll, Kenneth Frampton, Peter Buchanan, Lauren Sedofsky, Dean MacCannell, Peter Hall y Fulvio Irace. La publicación se completará con tres entrevistas realizadas a Ambasz por Michael Sorkin, James Wines y Hans Ulrich Obrist, respectivamente.

Emilio Ambasz. Invenciones: arquitectura y diseño. Del 1 de diciembre de 2011 al 16 de enero de 2012 en el   Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Coordinador: Fernando López.

Un gran abrazo desde La Ciudad Luz,

Félix José Hernández.

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La purga de la loma de La Vela

2. Diciembre 2011 por Redacción.

Cartas a Ofelia/ Historia

Joaquín Ordoqui

Cubamatinal/ París, 30 de noviembre de 2011.

Querida Ofelia:

Te hago llegar el interesante testimonio de Roger Redondo, ex guerrillero en los años cincuenta. Forma parte de nuestras largas conversaciones en el pasado verano en Miami, sobre los acontecimientos históricos que tuvieron lugar   durante la lucha contra el régimen de Fulgencio Batista.

“Joaquín Ordoqui, oficial de la KGB en Cuba, comisionó al comandante Genaro Arroyo, al mando de una tropa de doscientos combatientes de la Sierra Maestra, oficiales y soldados, a una caminata desde Manzanillo hasta  Baracoa, en el oriente de la isla. Esa tropa estaba compuesta en su totalidad por hombres que estaban al mando de Fidel, muchos de ellos analfabetos, o con muy bajo nivel escolar, pero con muchos méritos durante la campaña guerrillera contra Batista.
Ordoqui le entregó al comandante Arroyo, las planillas personales de cada uno de esos combatientes del Movimiento 26 de Julio. Las mismas servirían   para la posterior ubicación en la vida civil. Es decir, ya había un propósito calculado de licenciar a aquellos oficiales rebeldes. Pues, ya estaban ubicados de antemano fuera de las fuerzas armadas. Los oficiales no sabían nada, obviamente, ni Arroyo tampoco.
En tiempo muy corto, esos muchachos, fueron desde Manzanillo hasta Baracoa como si fuera una fiesta para ellos. La mayoría de ellos habían nacido y se habían criado en las lomas. Así que esa era su forma natural de vivir, estaban acostumbrados a caminar por terrenos difíciles, cruzando ríos, subiendo y bajando lomas, etc. Por lo tanto, el comandante Arroyo con cierta alegría le informó a Ordoqui que ya los combatientes habían pasado la prueba. Pero el oficial de la KGB reaccionó con una mueca y Arroyo le entregó todas las planillas sin despedir a nadie.
Tres días después Arroyo recibió de nuevo la orden de presentarse al Estado Mayor, para recibir todas las planillas nuevamente de manos de Ordoqui. Esta nueva misión con la misma tropa, por supuesto, era la de subir la loma de La Vela, en la Sierra Maestra. En esa ocasión, no había límites de tiempo ni de espacio, pues la orden de Ordoqui era que los militares subieran y bajaran la loma de La Vela hasta que todos pidieran su baja ante aquella situación tan   absurda. El comandante Arroyo se percató en el acto de que aquello no era un simple ejercicio militar, sino una manera de salir de aquellos oficiales del Ejército Rebelde que no eran comunistas o confiables para los comunistas.
Finalmente todos  fueron licenciados. Seguramente quedarán vivas algunas de aquellas víctimas. Quizás, exista alguna documentación sobre este hecho, que no fue otra cosa, que una manera encubierta de represión. La loma de La Vela convertida en historia a causa de la maldad de un fanático no ha olvidado este dramático episodio. Fueron 200 militares con méritos a los que se engañó y se les licenció del Ejército Rebelde, durante una purga típicamente estalinista ”.Roger Redondo

Un abrazo con gran cariño desde La Ciudad Luz,

Félix José Hernández.

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